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Mis Props Favoritos y Dónde Conseguirlos

Si hay algo que adoro en fotografía de producto son los props. Sus preciosas formas y colores , sus texturas delicadas y sus infinitos usos alimentan mi creatividad y animan a probar todas las composiciones habidas y por haber.

Los que ya me conocéis, sabéis que soy una loca de los colores y de las formas geométricas, y cada vez más, mi trabajo se reconoce y diferencia por esta característica. Y diferenciarse, creedme, es bueno, muy bueno.

Es por ello, que en la entrada de hoy os quiero hablar sobre algunos de mis props favoritos y dónde conseguirlos. De entrada os digo, que los props son una inversión. Sé que al principio de este camino nos hacemos muchas preguntas sobre si merece la pena invertir en props, de si es un buen momento para hacerlo o es mejor esperar.

Por experiencia, te puedo decir, que todas las inversiones que he hecho han dado su fruto y han ayudado a mi negocio a fortalecerse, a mejorar, y a conseguir imágenes muchísimo más atractivas e interesantes.

props de fotografía de producto comercial en diferentes colores y formas. Mis props favoritos y Dónde conseguirlos. Props para fotografía de producto. Capturando la esencia fotografa comercial.
Props de Marked Props y Plinthy Plints

¿Son baratos los props para fotografía de producto?

Invertir en props, en muchas ocasiones, supone darle un buen bajón a la cuenta corriente, pero con el tiempo, merece la pena y este dinero vuelve. Imaginad que os gastáis 500 euros en props. Al mes siguiente, debido a esos props tan maravillosos que hacen que vuestras imágenes se vean brutales, conseguís agendar una sesión con valor de 1000 euros. Ya habréis recuperado la inversión y podréis seguir utilizándolos, si los cuidáis bien, por muchísimos años tanto para proyectos personales como para otros clientes.

Lo único que os recomiendo, es que no malgastéis vuestro preciado dinero en props baratos porque a la larga os salen caros. Olvidaros de los stands de espuma del Aliexpress, yo también caí en la tentación y ahora me arrepiento. Ya que ese dinero lo podría haber invertido en algo de mayor calidad ( aunque es cierto, que me ayudaron en su momento y tampoco disponía del presupuesto para invertir en algo mejor, todo hay que decirlo).

¿Dónde comprar props para fotografía profesional?

Y sin más dilación, vamos al tema. A continuación os muestro algunas tiendas donde podéis encontrar props de calidad. Principalmente son stands y pódiums, algunas figuras geométricas y también fondos para fotografía de producto.

Propsyland

Es una tienda online australiana que vende stands de diferentes formas y colores, así como fondos. Son conocidos por su calidad, y como todo en fotografía estos props son toda una inversión si quieres hacer tus imágenes mucho más atractivas. Destaca por su gran variedad de formas, y en redes, por ser un equipo alocado y divertido que casa perfectamente con el estilo de sus productos. Si estás dispuesto a invertir, este es el mejor lugar. Actualmente me encuentro esperando a recibir un pedido que hice con ellos.

Markedprops

Muy similares a los australianos, pero tienen su sede en EE.UU. Su variedad de props es un pelín más limitada que Propsyland aunque sus precios andan un poco por debajo de los primeros. Su calidad es muy buena también. Tengo varios de sus props en mi colección.

Moodelier

Es la primera marca que conocí que realizaba este tipo de props. Son de excelente calidad y al igual que Propsyland, también son australianos. Tiene una variedad aceptable de animados y coloridos props que sentarán maravillosamente cualquier colección de props. Personalmente no tengo ninguno de sus props pero sé de compañeros fotógrafos que alaban su acabado y calidad.

Plinthy Plinths

Esta marca de props tiene su residencia en el Reino Unido. Algunos de sus productos están hechos de madera y otros son impresos en 3D. Son más asequibles en comparación de los anteriores pero también tienen un calidad inferior.

MadProps

Esta tienda también se encuentra en el Reino Unido y dispone de una extensa variedad de stands de madera y resina. Así como otros props acrílicos. En este caso todos sus props se venden en blanco para que nosotros podamos pintarlos del color que necesitemos y darles infinitas vidas. Recientemente han anunciado que van a cerrar y han subido todo el stock sobrante a la web. Quizás que aún estés a tiempo de conseguir alguna ganga.

Everyday Co

Esta tienda australiana dispone de una amplia colección de atrezzo para fotografía, stands, fondos, bandejas acrílicas, piezas de terrazo, etc. Super útil cuando quieres comprar gran variedad de atrezzo en el mismo sitio y ahorrarte los gastos de envío de diferentes tiendas.

Prop Face

Esta una de las tiendas online más grandes de props, parecida a Everyday Co, pero está situada en EE.UU. Puedes encontrar cosas muy interesantes y bastante asequibles (dentro de lo asequible que es todo el material de fotografía jeje).

colección de stands y bases para fotografía. Capturando la Esencia Fotografía publicitaria de producto y gastronomía creativa con fines comerciales
Props de Plinthy Plinths

Consideraciones sobre aranceles en pedidos internacionales

¡¡IMPORTANTE!! Si sois ciudadanos de la Unión Europea y realizáis un pedido a un país fuera de ésta, tened SIEMPRE en cuenta que en algunas ocasiones ( sobre todo si son pedidos grandes) se os cobrará un ARANCEL cuando el paquete llegue a ADUANAS de España, y normalmente es una sorpresa que no es para bien porque necesitas desembolsar aún más dinero.

Para que os hagáis una idea, yo realicé un pedido a Plinthy Plinths por un valor de 400€ aproximadamente y pagué 160€ de aranceles, así que el valor total fue de unos 560€; también hice otro pedido a Marked Props por un valor de 500€ y pagué de aranceles unos 28€. Digamos que no hay una forma de saber cuanto será el total hasta una vez recibas el paquete…

Otro dato curioso, es que en alguna ocasión he pagado el ARANCEL antes de la llegada del producto; y en otras ocasiones ha sido durante la misma entrega del paquete o a posteriori, supongo que dependerá del valor total del pedido y de la empresa que se encargue de realizar el reparto.

También creo recordar, que para pedidos de menos de 150€ no se pagan ARANCELES, podéis consultar más info en la web de la Agencia Tributaria en la sección de ADUANA.

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Acompáñame en el Proceso Creativo de una Fotografía de Producto- Cliente Real

Hola de nuevo a todos, hoy vengo a hablar del proceso creativo de una imagen de producto. A estas alturas ya sabréis que hacer una imagen no es solamente hacer click, pero para crear una base sólida sobre qué es lo que conlleva crear una imagen, hoy voy a hablar largo y tendido sobre este tema. Para hacerlo más fácil lo he dividido en pasos que resumen cada una de las etapas y lo que suelo hacer yo en cada una de ellas. Como ejemplo, voy a usar a uno de mis clientes «Obrador la Panadería» para que os podáis poner en contexto con un caso real.

Paso 1- Preproducción o Dirección de Arte

Esta etapa es la de las preguntas y la de la comunicación constante con el cliente. Es donde se define el look de las imágenes que posteriormente fotografiaremos, por lo tanto, es una etapa fundamental del proceso creativo y que recomiendo realizar sin prisas.

¿Cuál es el color principal de nuestro sujeto protagonista?

Aquí vamos a extraer el color principal del sujeto para así pensar que otros colores aparte de éste podemos utilizar, bien para generar contraste, bien para complementar o para apoyar. Podemos preguntar al cliente que nos facilite una imagen del producto con el que vamos a trabajar.

¿Qué sensación queremos generar con nuestra imagen?

Es una pregunta muy importante porque está relacionada con la impresión que la imagen generará en el espectador. ¿Queremos que transmita alegría? ¿Melancolía?¿Un feeling hogareño quizás? ¿Un aire veraniego?

Si la empresa es grande, seguramente tendrán una imagen de marca consolidada, lo cual hará las cosas más fáciles. Otras veces, el cliente va a sacar un producto nuevo y quiere un look totalmente diferente o bien recién está comenzando y necesita definir su imagen de marca. Es trabajo nuestro el de aportar ideas mediante fotografías de referencia.

¿Qué tipo de luz vamos a usar?

Según las emociones que queramos que transmita nuestra imagen utilizaremos un tipo de luz u otro. En general el uso de la luz directa creará imágenes con colores más saturados y por tanto, tendrán un feeling más alegre, veraniego y vivo.

Las sombras en general también serán mas definidas y alargadas, creando un contraste natural. Por el contrario, el uso de luz difuminada dará lugar a imágenes con aire más ligero, sombras menos definidas y aparentes pero con mayor volumen. Aunque usando modificadores como distintos tipos de softbox conseguiremos también sombras muy contrastadas usando luz difuminada (por ejemplo, modificador de panal de abeja para crear imágenes moody y muy contrastadas). El tema de la luz da para otra entrada.

¿Vamos a crear una imagen minimalista o llena de elementos?

Aquí entra en juego el atrezzo que aparecerá acompañando a nuestro sujeto principal. ¿Vamos a crear una imagen más minimalista con menos elementos o por el contrario una con más elementos?. Es importante definirlo con el cliente y no dejar nada en el aire. (Tengo una entrada sobre Fotografía Minimalista que puedes visitar aquí)

¿Qué composición y ángulos vamos a usar?

Como sabéis hay muchas reglas de composición, según las que usemos generaremos movimiento y guiaremos al espectador a un punto en particular de la imagen ( generalmente donde está el sujeto de nuestra escena). Podremos crear imágenes más orgánicas, más fluidas, con más peso visual, etc.

El ángulo también es muy importante, y lo debemos tener en cuenta dependiendo de nuestro producto y en función de su altura, longitud, forma, etc. Por ejemplo, para bebidas un ángulo frontal entre 0-45º funciona muy bien y para una ensalada un plano cenital será más acertado… aunque según lo que vayamos buscando.

¿Tenemos todo el atrezzo que necesitamos en el estudio o necesitamos fabricar/crear o comprar algo específico para esta imagen?

Este es un punto importante, ya que va a influir mucho en nuestro presupuesto y en el tiempo de preproducción. Con los años, nuestro atrezzo va aumentando pero siempre hay props específicos que bien los clientes demandan o bien nosotros como fotógrafos creemos convenientes adquirir para una sesión en concreto. Dependiendo de cual sea el prop podemos encontrarlo fácilmente en cualquier tienda de decoración.

Aunque habrá casos en los que se necesite algo tan específico (en cuanto a color, tamaño y estilo) que nos cueste encontrarlo. En esos casos, si somos un poco artemaniacos lo podemos fabricar nosotros mismos. A veces, puede ser un fondo con un color y textura específico, a veces es una taza en un color que no puedes encontrar en ningún sitio y tienes que pintarla con spray  o una base/stand con una forma determinada y hay que encargarla al carpintero y pintarla.

¿Cómo hacemos entender al cliente lo que se está cociendo en nuestra mente?

Sí, ya sé que en nuestra mente todo tiene sentido, pero tened en cuenta que el cliente es el que paga y quiere ser partícipe y tener una idea lo más clara posible de las imágenes que vamos a crear para ellos. ¿Qué podemos hacer? Compartir con ellos los avances que vamos haciendo en cuanto al look final de las imágenes (lo que se llama dirección de arte o preproducción).

Esto conlleva, hacer un listado de la paleta de colores que vamos a usar, el atrezzo, los fondos y superficies, los ingredientes que van a aparecer, las recetas si las hay, los ángulos y el tipo de luz, si van a aparecer manos, si hay que incluir espacio negativo, flores, etc.

Y si también tienes dotes de dibujante, unos bocetos vienen muy bien para que el cliente se haga una idea más clara de lo que va a aparecer en cada una de las imágenes, y después una llamada o mail para resolver posibles dudas. Todo esto lo podemos plasmar en un moodboard que sea lo más detallado posible.

¿Ya tengo el visto bueno del cliente?

Una vez el cliente nos da dado el ok con nuestra propuesta ( en caso de que haya cosas que no terminan de convencer al cliente, tenemos que seguir trabajando aportando ideas diferentes para darle otro enfoque) es el momento de comprar aquellos materiales que hagan faltan o de hacerlos nosotros mismos. Tened en cuenta que esto nos va a llevar unos días, porque los hayáis pedido online y tenéis que esperar a que os lleguen, porque necesitéis ir de tiendas o bien porque los vayáis a hacer vosotros mismos y necesitéis tiempo para diseñarlos, pintarlos, esperar a que se sequen, cortarlos, etc. (lo que se conoce como Set Design).

En general, con mi experiencia, esta etapa de preproducción suele durar entre 1-2 semanas aproximadamente, pudiendo extenderse  más o menos en el tiempo. Es una etapa muy importante y que no debemos saltarnos. Cuanto mejor definamos la sesión en la preproducción, más seguros nos sentiremos cuando llegue el día de realizarla, ya que tendremos todo lo necesario y divagaremos menos. Esto nos causará menos frustración.

Paso 2- Envío de Productos

Cuando los productos no son perecederos, es una buena idea que el cliente realice el envío de éstos una vez aceptado el presupuesto y firmado el contrato. De esta forma, podemos estudiarlos más en profundidad ( aunque es crucial que el cliente te haya enviado previamente referencias ( imágenes de catálogo, de la web o redes) de los productos con los que vas a trabajar. En el caso de que sean perecederos, agenda el envío de los productos lo más cerca posible de la fecha de la sesión para que éstos luzcan frescos.

Paso 3-Compra de Ingredientes o Atrezzo

Una vez hecha la preproducción y ya sabiendo exactamente qué es lo que vamos a necesitar para la sesión, me pongo primeramente con la compra ( en el caso que sea necesario) de los props que NO tengo en el estudio. Para ello, suelo echar un vistazo online en diferentes tiendas de decoración y pedirlo para que llegue lo antes posible y poder fechar la sesión. En el caso de que tengáis a mano tiendas de decoración en vuestra ciudad, podéis ir personalmente y ver las distintas opciones que hay. Mucho mejor para poder ver las texturas, materiales y colores originales.

Fechar la sesión antes de que te lleguen los props que necesitas puede ser en ciertos casos arriesgado, porque cabe la posibilidad de que tengas que aplazarla o posponerla por no tenerlos en el estudio cuando llegue la fecha de la sesión.

La compra de los ingredientes siempre la suelo realizar el día anterior a la sesión, para que estén lo más frescos posibles. Repaso boceto por boceto, qué ingredientes aparecen en cada foto y me hago una lista de la compra, que siempre repaso, para que no se me olvide nada.

Paso 4- Realización de la Sesión Fotográfica y el Estilismo

¡Por fin llega el día! Muchos piensan que el trabajo para crear una imagen de producto comienza aquí, pero como acabáis de leer, esta fase podríamos decir que es el educador del todo el proceso creativo. La clave durante la sesión es intentar que sea lo más fluida posible, ser eficientes en los tiempos. Para ello, es mejor ser organizados y tener todo lo que se puede tener preparado con antelación listo, y dejar únicamente los detalles para hacerlos en el momento.

En la mañana de la sesión, siempre invierto un poco de tiempo terminando de montar el estudio, colocando los fondos y ajustando la luz. Colocando todo lo que voy a necesitar cerca ( los ingredientes, props, bocetos, resto de fondos, ropa, ordenador o tablet para hacer el tethering, etc). Siempre enumero los bocetos para tener un orden durante la sesión, suelo empezar por las imágenes cenitales y después las picadas o frontales. Voy montando la escena con el boceto de la imagen al lado para que no se me olvide ningún elemento.

Normalmente montar la escena de cada imagen me suele llevar entre 30 min y 1 hora, aunque los tiempos pueden variar según la complejidad de la imagen y si consigo ese look más rápido o necesito mover cosas porque no lo he conseguido de primeras. Recuerdo una sesión que tardé 1 hora y media para sacar la primera foto… La imagen resultante no tenía nada que ver con la planeada como os podéis imaginar… Por eso es muy importante la preproducción para que estas cosas no pasen.

Las sesiones siempre las hago en remoto, para hacer partícipe al cliente y darle la oportunidad de hacer pequeños cambios si fuese necesario. Les envío las imágenes por WhatsApp para que puedan verlas en ese mismo momento, darme el OK y seguir adelante con la sesión. Algo que valoran positivamente los clientes.

Paso 5- Edición

La edición es la historia interminable si somos muy tiquismiquis. Así que mejor saber bien dónde parar. Mis imágenes suelen pasar primeramente por Lightroom donde les doy una edición general y luego, algunas de ellas, también pasan por Photoshop donde suelo hacer ediciones más complejas. Según el tipo de imágenes necesitarán o no pasar por Photoshop. Para imágenes más comerciales, limpias y con fondos lisos, Photoshop es casi imprescindible. Para imágenes más hogareñas y naturales, con Lightroom es probablemente más que suficiente.

Un consejo con la edición es tener un ordenador con una pantalla bien calibrada, porque da mucho coraje editar una imagen y pasarla al móvil y que parezca otra diferente, que esté sobresaturada o subexpuesta….es doble trabajo, y eso no es lo que buscamos, queremos ser eficientes. Así que trabajar con una buena pantalla calibrada es lo ideal. Otra cosa de la que he oído hablar y que únicamente una vez me ha pasado es que me pidan las imágenes sin editar. No hagáis eso y por favor, decírselo al cliente, una imagen sin editar pierde su potencial, es mucho menos atractiva. La magia de la edición es necesaria para crear ese impacto visual 😉

Paso 6- Entrega y Feedback

Una vez editadas, envío las imágenes al cliente para que pueda revisarlas y decirme si cumplen con sus expectativas o si por el contrario hubiese que modificar cualquier cosa puntual. En mis contratos siempre recojo 1 revisión gratuita una vez entregadas las imágenes. Si después de esa primera revisión el cliente sigue queriendo modificar cosas, amablemente decidles que revisiones extras suponen nuevo presupuesto. Haciendo eso, seguramente dirán que están bien así o, si tienen presupuesto, no será un problema hacer ese segundo retoque por un extra 😉

Una vez el cliente tiene las imágenes finales, es una idea buena, preguntarles por su experiencia habiendo contratado vuestros servicios. Puedes enviarles un link que conduzca a tu perfil de empresa google, donde pueden dejarte una reseña. Tener reseñas positivas siempre genera confianza para futuros clientes. Otra opción es incluir esas reseñas en tu propia web.

Y hasta aquí la entrada de hoy.  El proceso creativo de una imagen de producto conlleva muchas cosas y seguramente me he dejado otras muchas sin comentar ya que cada proyecto es diferente y siempre hay otras formas de hacerlo. Al final cada fotógrafo tiene su propia metodología que va adquiriendo con el tiempo y a veces, a base de errores, pero creo que lo principal está aquí. Si tenéis cualquier duda ya sabéis que no tengo secretos y que estoy encantada de ayudaros en todo lo que sepa. Mil gracias por leerme y hasta la próxima entrada 🙂

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¿Dónde Compro mis Fondos de Fotografía?

Los fondos o superficies en fotografía forman gastronómica y de producto forman parte del material básico de estudio, se pueden encontrar en diferentes materiales, colores y texturas y apoyan la escena generando diferentes emociones o sentimientos. Como fotógrafa, cada cierto tiempo, me gusta ojear las páginas de mis tiendas favoritas de fondos para ampliar mi colección o bien para encontrar aquel fondo específico que necesito para un shooting.

Conseguir fondos para fotografía que cumplan las características que estás buscando es un trabajo que requiere de tiempo y son muchos los factores a tener en cuenta. Así que en este blog te comento qué cosas tengo en cuenta a la hora de comprar un fondo o superficie nueva así como algunas de mis tiendas favoritas.

¿Qué tener en cuenta a la hora de adquirir un nuevo fondo?

El tamaño del fondo

Para fotografía gastronómica,la mayoría de los fondos que tengo son de 60x90cm pero si es verdad que para escenas más amplias, sobre todo cuando aparecen varios productos en escena, estas dimensiones se quedan un poco cortas. Es por ello que también trabajo con algunos más grandes como 80x120cm. Estos vienen muy bien cuando queremos hacer un flatlay donde haya espacio negativo o una mesa estilo “feast” donde aparecen muchos platos y necesitas un fondo más grande.

El color

Este me genera auténticos quebraderos de cabeza. Ya que además de los colores, existen los tonos de color, por ejemplo, un fondo de color verde es verde, claro está, pero ¿cuántos tonos de verde existen? Una infinidad….así que dar con el tono que vas buscando lleva su tiempo. Luego está la magia de Lightroom y Photoshop que nos puede echar una mano, pero personalmente prefiero que se parezco lo más posible al tono que voy buscando para evitar horas de edición más tarde.

Que combine con otros fondos

que ya tenemos en el estudio para poder usar ambos en la misma escena. Por ejemplo, en el caso de fotografías con ángulo picado generalmente necesitarás el uso de un fondo y una superficie. Si ambos tienen colores y tonalidades parecidas o que generen contraste de una forma armónica entonces habrás conseguido el combo perfecto.

La textura

No es lo mismo un fondo liso que uno en el que aparezcan diferentes texturas. Las texturas generalmente aportan un toque orgánico y natural a la imagen. Los fondos lisos suelen utilizarse para crear imágenes más limpias y más alejadas de un estilo hogareño y moody.

Que sea de limpiado fácil

¿Quién invertiría en un fondo que a la primera de cambio se manchase y no hubiese forma de limpiarlo? Generalmente la mayoría son de fácil limpiado. Con un paso húmedo se quedan como nuevos pero hay ciertos ingredientes que pueden echar a perder nuestros fondos así que…¡¡Cuidado con el pimentón!! Y sobre todo, si son fondos de vinilo, no depositar elementos calientes sobre ellos porque se pueden deformar.

Que sea de fácil de almacenar

Los fondos de vinilo y canvas se pueden enrollar fácilmente y guardar en una esquina del estudio. Los que son de material macizo como la madera, pueden apilarse en vertical y no ocuparan mucho espacio.

Que sea de un material que dure con el tiempo

El objetivo es que, ya que hacemos una inversión, que dure el mayor tiempo posible, ¿verdad?. Lo barato sale caro, creedme. Evitad comprar fondos que no lleven película protectora, que se rayen con facilidad o que se estropeen cuando los limpiáis ¡Necesitan ser impermeables!

Tiendas de Fondos que recomiendo

  • Fondos para Fotógrafos . La mayoría de mis fondos de vinilo texturizados son de esta tienda regentada por Manuel y Sara, además son dos soles, super amables. Podéis encontrar en dos tamaños, 60x90cm y 80x120cm. La calidad de sus fondos es suprema, llevo con algunos de sus fondos 2 años y aún están como nuevos.
  • Club Backdrops . Esta es una tienda que también tiene fondos de vinilo y recientemente también de canvas. Lo que me gusta de ella es que tiene fondos que se alejan de lo corriente, desde fondos en colores lisos hasta texturas y patrones originales con los que darles un toque diferente a tus fotos. También son de muy buena calidad. Mayoritariamente todos mis fondos de color liso son de esta tienda.
  • Texturit. Ellos elaboran de forma artesanal fondos de madera de contrachapado que pueden realizar en ambas caras. Son fondos con una textura y acabado maravilloso. También los puedes encontrar en diferentes tamaños. Usando mi CÓDIGO “capturando_la_esencia10″ en su web podéis conseguir un 10% de descuento.
  • Backdrop Woodville. Solían hacer fondos artesanales con un acabado brutal, de los cuales tengo 4 a doble cara en el estudio y que me enamoro cada vez que los miro. La verdad que era toda una inversión comprar estos fondos. Ahora han decidido centrar su producción en fondos vinílicos aunque siguen ofertando las texturas que solían hacer antes. Como dato informativo, si vais a comprar sus fondos, tened en cuenta que es un fabricante fuera de la UE y que tendréis que pagar tasas de ADUANA 😉

Otras Tiendas de Fondos

Conozco otras tiendas de fondos de las cuales he escuchado hablar muy bien por compañeros fotógrafos, pero que, hasta el momento, no he tenido ocasión de probar sus fondos.

  • JipyFondos. Esta tienda de fondos es la reina de los Canvas. Tienen una colección muy bonita en varios tamaños con acabados muy buenos también. Podéis encontrarlos en su web o bien en Etsy. Además, su dueño, David Jilkyns, también genera contenido didáctico para fotógrafos gastronómicos en su canal de YouTube, que os dejo por aquí.
  • EveryDay Co Backdrops. Esta tienda la recomiendo sobre todo para fotógrafos de producto que estén buscando fondos coloridos con diferentes texturas, como baldosas en diferentes colores o bien lisos.
  • Capture by Lucy Backdrops. Aquí encontrarás una enorme colección clasificada en diferentes colores, desde fondos con texturas más tímidas a fondos con mucha más personalidad. He leído muy buenos comentarios de esta tienda y sus fondos parecen realmente buenos. Como dato curioso, algunos de sus fondos son fotografías de madera, piedra y otras superficies que Lucy realiza durante sus viajes por el mundo.

fotografía fondos y superficies en estudio

Otras Tiendas de Fondos que he encontrado y que quizá puedan parecerte interesantes

  • Errer Backdrops
  • Indigo Photos
  • Woodrow Studios
  • YDBackdrops
  • Poppy Bee Surfaces
  • My Lucie Backdrops
  • Pepperazzi Backdrops

Aparte de comprar fondos en estas tiendas, también he probado a realizar mis propios fondos en alguna ocasión, usando contrachapado o bien tela en crudo de canvas. Los resultados han sido disparejos, con casos de éxito y casos de fracaso absoluto jajaja. Así que si sois unos manitas y queréis hacer vuestros propios fondos, sabed que hay esa opción; sin embargo, sino queréis poneros de pintura hasta las cejas estoy segura que encontráis buenas opciones en las tiendas que os he compartido en el post.

Espero que os haya parecido interesante y sobre todo útil este post. ¡Nos vemos en el próximo!

Otros posts relacionados: Garnish o Decoración en Fotografía Gastronómica

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El poder del Minimalismo en Fotografía

El minimalismo es un estilo que se usa en fotografía y que tiende al uso mínimo de elementos. Es un estilo al cual recurro con frecuencia en mi fotografía y que vamos a desarrollar un poquito en esta nueva entrada que he creado junto a Ronal Cova de @ishealthyphoto. Hablaremos sobre cómo crear fotografías minimalistas y en qué elementos apoyarnos para lograr este estilo.

Según Wikipedia “En su ámbito más general, es la tendencia a reducir  a lo esencial, a despojar de elementos sobrantes.”

Otra definición de Minimalismo sería la siguiente «El minimalismo es una corriente artística que sólo  utiliza elementos mínimos y básicos. Por extensión,  en el lenguaje cotidiano, se asocia el minimalismo  a todo aquello que ha sido reducido a lo esencial y  que no presenta ningún elemento sobrante o accesorio.»

¿Cómo crear fotografías Minimalistas?

Existen muchos factores que podemos tomar en cuenta a la hora de crear fotografías minimalistas de gran impacto visual. Asimismo también es importante conocer este término y su significado para así aplicarlo a la fotografía gastronómica.

El minimalismo en la fotografía gastronómica nos permite enfocar toda la atención del espectador en los alimentos, evitando cualquier distracción que pudiera generar el uso excesivo de atrezo dentro de  una escena. Finalmente, nuestro objetivo como fotógrafos gastronómicos es capturar la belleza de un plato, bebida o ingrediente; creando imágenes minimalistas nos retamos a observar con detenimiento y fotografiar la esencia.

La observación es clave, entender qué queremos contar y mostrar, aunque la cantidad de atrezo que forme parte de la composición sea reducida. Podemos crear una narrativa alrededor de nuestro elemento principal y generar una sensación.

Minimalismo no significa fotografías monótonas y carentes de atractivo visual, por el contrario, la  simplicidad de los elementos en juego nos permite estar presentes y poner toda nuestra atención sobre el elemento que hemos escogido a fotografiar.

Fotografía de @ishealthyphoto

Elementos en los que apoyarse

Al reducir al mínimo los elementos que forman parte del frame, las decisiones que tomamos se vuelven de  mayor importancia y cada una de ellas debe estar  pensada en busca de transmitir el mensaje que queremos.

Un ejemplo de esto podría ser el uso de líneas, colores de fondos y superficies, iluminación, posición de  nuestro punto de interés y estilismo culinario. Todos estos factores pueden crear un cambio muy significativo en el resultado de nuestra fotografía, como podréis imaginar una copa de vino  fotografiada en una pieza de mármol pulido no evoca las mismas sensaciones que la misma copa de vino fotografiada sobre una madera envejecida con una  iluminación en clave baja.

El minimalismo en la fotografía gastronómica te hace consciente de que cada decisión por pequeña que pueda parecer tiene un impacto en el resultado final  de nuestros proyectos.

Fotografía de @ishealthyphoto

Tipos de Luz

En mi opinión no hay un tipo de iluminación particular en lo que se refiere a fotografía gastronómica minimalista. Porque la esencia de esta rama de la fotografía se centra en la cantidad de elementos y el peso visual que éstos tienen dentro de una imagen.

La elección de la luz si que juega un papel  fundamental en cuanto a la emocionalidad que queremos transmitir con las imágenes e incluso en cómo ésta puede potenciar la belleza del sujeto que  estamos fotografiando.

Fotografía de @ishealthyphoto

Paleta de Colores

Les recomiendo un libro que considero podría serle de mucha ayuda para desarrollar una gestión del color que alinee con el propósito de las imágenes que estamos construyendo. Nuestro cerebro tiene asociadas una serie de emociones a los colores y sus  distintas combinaciones, si aprendemos como gestionar el color podremos ser mas efectivos en  nuestra forma de comunicar.

Las fotografías monocromáticas las asocio con obras que trasmiten calma, equilibrio, estabilidad; sin  embargo, colores opuestos y con alto contraste añaden dinamismo y fuerza.

El libro del que les hablo se llama “La Paleta  Perfecta” de Lauren Wager.

Fotografía de @ishealthyphoto

Espacio Negativo

Si hacemos una búsqueda rápida sobre fotografía minimalista encontramos que predomina en un alto porcentaje de las imágenes la presencia del espacio negativo. La proporción que ocupa el sujeto en comparación con el entorno transforma nuestra percepción sobre las fotografías que observamos.

Fotografía de @ishealthyphoto

Materiales

Los materiales presentes en la fotografía van a jugar un papel fundamental en la emoción que transmita la imagen. Aquí lo importante es que éstos no desvíen la atención, sino que vayan en sintonía y que no destaquen más que nuestro sujeto principal.

Por ejemplo, no transmite lo mismo un fondo liso con un color sólido y vivo, que uno con textura y colores más neutros.

Por eso es importante observar y estudiar con detenimiento qué nos transmiten los diferentes elementos/materiales que vamos a incluir en la escena para poder realizar una selección más consciente.

Composición

La composición deberá regirse por la regla de la sencillez. Incluir lo imprescindible y desechar aquellos elementos innecesarios. Tener en cuenta que necesitamos seguir contando una historia pero de la forma más sencilla posible. Podemos realizar la práctica de poner/quitar  elementos en la escena y ver qué tal se siente el peso de éstos.

Una característica de la fotografía minimalista es la utilización de imágenes basadas en formas geométricas, como triángulos, rectángulos, círculos, etc que además generarán un extra de movimiento en la imagen y por tanto, mayor impacto visual.

Líneas

La presencia de líneas en una o varias direcciones genera dinamismo en la imagen. El movimiento en fotografía gastronómica es un recurso muy utilizado, aporta volumen y energía, y ayuda a guiar la mirada del espectador.

Al usar menos elementos en este tipo de fotografía, la incorporación de líneas es un recurso muy utilizado.

  • Las líneas horizontales hacen leer la imagen de lado a lado, generan una sensación más agradable,  tranquila y de estabilidad.
  • Las verticales dan una sensación más cortante y de fuerza, incluso pueden actuar como barreras para delimitar ciertas zonas en la imagen.
  • Y las líneas diagonales por su parte dan mucho movimiento y dinamismo

Podemos generar líneas aprovechando los bordes de una mesa, usando cartulinas de diferentes colores, disponiendo parte de un mantel sobre un fondo con otra textura,  colocando los ingredientes en diferentes direcciones, etc.

Formas, Patrones y Texturas

Las fotografías minimalistas se caracterizan por transmitir mucho con pocos elementos, por eso hay que saber escoger aquellos con personalidad propia o apoyarse en el estilismo o las reglas de composición.

El uso de formas circulares, rectangulares y triangulares dota a la imagen de diversidad visual, haciendo que la fotografía sea divertida y atractiva; así mismo la repetición de elementos creando patrones nos habla sobre la importancia de esos elementos en el frame.

La textura hace referencia al sentido del tacto y aporta relieve, sensación de realidad y dimensionalidad. Nos habla sobre la suavidad, la aspereza o incluso la jugosidad y la frescura.

Sentimientos o Emociones

Si bien es verdad que las fotografías minimalistas tienen en común el uso de pocos elementos, todas ellas transmiten emociones o sentimientos diferentes. Y esto va depender mucho de todos los elementos que hemos descrito anteriormente: la composición, el color, la luz, la paleta de colores, el atrezo, etc.

Podemos crear imágenes claras, oscuras, con colores vivos, con colores neutros, monocromáticos, etc. Las opciones son  prácticamente infinitas pero siempre debemos conseguir ese perseguido sentimiento o emoción que hará cautivar al espectador.

Al final, la carga emocional de nuestras fotografías será el gancho con el cual conectaremos con la historia, e inmediatamente con nuestra propia experiencia.

Y hasta aquí la entrada de hoy, esperamos de corazón que hayáis entendido el concepto de minimalismo y que os hayamos dado las herramientas para crear vuestras propias fotografías minimalistas.

Un abrazo y hasta la próxima entrada.

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¿Cómo estilizar tus platos con el mejor Garnish?

Como en otras disciplinas, en Fotografía Gastronómica, mimamos mucho los detalles. Pequeños toquecitos que hacen que la imagen se sienta completa. La decoración ( garnish en inglés) de un plato aporta un extra de belleza, ayuda a contar mejor la historia de esa fotografía, se usa como enlace entre diferentes elementos de la escena y genera un mayor impacto visual.

Creedme que esas miguitas de pan, semillas o azúcar no cayeron ahí por casualidad, en el ejercicio de estilismo de la escena, cada detalle está pensado para generar en el espectador un efecto «wow».Además, no basta con añadir cualquier cosa, se trata de acompañar a nuestro sujeto de elementos que vayan en sintonía, que acompañen a la paleta de color y que obviamente, sepan bien. Otro factor a tener en cuenta es aplicar las reglas de composición cuando estamos posicionando esos elementos decorativos.

A veces este Garnish se puede hacer antes de cocinar. Por ejemplo, imagínate que estamos haciendo una pizza. Podemos colocar los ingredientes de una forma armónica sobre la base, incluso podemos añadir algunas semillas a los bordes de la pizza para aportar más textura. Una vez cocinada podemos decorar con algunas hierbas frescas como rúcula y un chorreón de aceite. Como ves, todo tiene su momento, añadir la rúcula al principio no hubiera sido inteligente, el color resultante no sería nada atractivo. Y por otro lado, añadir el aceite nos generarán más reflejos, que nos hará el plato más apetecible y fresco.

Veamos otro ejemplo. En este caso nos vamos a imaginar una crema de calabaza con su precioso color naranja. Si la servimos tal cual va a tener una apariencia aceptable pero no nos va a sorprender. Ahora pensad que ingredientes podríamos usar para mejorar la presentación de la crema de calabaza. A mí se me ocurre que podríamos añadir un poquito de nata líquida, leche de coco, unas semillas de calabaza tostadas, unas semillas de sésamo, un chorreón de aceite, unos brotes frescos, unas hojitas de hierbas aromáticas, unas rodajitas de pan, cebolla caramelizada, frutos secos, etc. Como ves, las opciones son casi infinitas y conseguiremos un mejor impacto visual.

Como ves, el haber añadido el garnish hace de esta crema de calabaza un plato mucho más apetecible y que entra por la vista.

¿Qué tener en cuenta a la hora de elegir y usar nuestros ingredientes para la decoración/garnish del plato?

  • Buscar ingredientes que aporten un toque interesante, ya sea en textura, forma o color.
  • Elegir los más frescos y bonitos
  • Siempre elegir aquellos de menor tamaño, en fotografía siempre generan más armonía los elementos pequeños. Los de tamaño más grande suelen ser más tediosos a la hora de hacer la composición.
  • Si quieres tapar cualquier imperfección, el garnish es una muy buena opción y parecerá muy natural.
  • Colocarlos de la forma más orgánica posible, ya sea en líneas curvas, en montoncitos, al lado de un plato ( como si se hubieran caído de forma natural), etc.

Garnish según el tipo de receta

Recetas Dulces

  • Miel y sirope. Perfectas para hacer el plato más apetecible y aportar un poquito de humedad al plato. También nos ayudan a generar reflejos muy usados cuando queremos hacer un «action shot». El resultado siempre es muy atractivo.
  • Chocolate derretido. Funciona de una forma muy similar a la miel/sirope. Es utilizado para decoración de pasteles, creando gotitas que descienden de una forma muy bonita.
  • Azúcar Glasé. Quizá de los recursos más usados, ya sea para tapar alguna imperfección o para captar ese momento en el que cae sobre la elaboración.
  • Frosting. Con él podemos crear texturas muy interesantes y que funcionan muy bien en fotografía. ¿Has visto alguna vez una «close up» de un frosting de chocolate? Me diréis que no es la cosa más romántica del mundo… ( visualmente hablando jaja)
  • Crema montada/yogurt. Todos los ingredientes que sean naturalmente cremosos van a ser muy recurridos en fotografía gastronómica. Y que sobre ellos podemos colocar otros elementos con la seguridad de que no se van a caer.
  • Caramelo
  • Copos de sal. Seguro los habéis visto decorando galletas de chocolate. Además de que generan un contraste dulce-salado estupendo, aportan extra de textura y contraste, por tanto ayudan mucho estéticamente.
  • Fruta deshidratada como orejones, plátano, naranjas, coco, etc
  • Semillas como pipas, sésamo, semillas de amapola, etc
  • Frutos secos como almendras, nueces, nueces pecanas, avellanas, etc
  • Especias como la canela, el anís estrellado, etc

Recetas Saladas

  • Hierbas aromáticas como hojas de perejil, cilantro, romero, albahaca, tomillo, etc
  • Un chorreón de aceite, nata, leche de coco
  • Flores comestibles, como pensamientos, flor del ajo, etc
  • Hojas frescas de espinacas, kale, etc
  • Queso rallado
  • Rodajas de limón y lima
  • Láminas de zanahoria, calabacín o espárragos
  • Hojas diferentes variedades de lechuga
  • Cebolla crujiente
  • Especias como comino, pimentón, pimienta, etc
  • Frutos secos picaditos
  • Vinagre balsámico

Bebidas

  • Aceitunas
  • Romero y otras hierbas aromáticas como tomillo.
  • Rodajas de cítricos o la misma piel de éstos
  • Láminas de pepino, calabacín, zanahoria, etc
  • Azúcar, para decorar el borde de la copa o vaso
  • Hielos de diferentes formas y tamaños
  • Flores comestibles

Como veis las posibilidades son muy amplias, incluso os invito a fotografiar el mismo sujeto utilizando diferente Garnish. Es un ejercicio del que se aprende mucho.

¡Gracias por leerme y hasta la próxima entrada!

Cintia

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Mis Inicios en la Fotografía Gastronómica

Todos somos principiantes en algún momento de nuestra vida y yo lo fuí con la fotografía, así que si quieres conocer sobre mis inicios en la fotografía solamente queda que te pongas cómod@.

Para los que no me conozcáis mi nombre es Cintia y soy Fotógrafa Gastronómica y de Producto. Mi proyecto creativo se llama Capturando la Esencia y en él ayudo a marcas a mejorar su presencia online mediante imágenes cautivadoras que atraigan a sus clientes potenciales.

Hace unas semanas tuve un Live con Ronald de @ishealthyphoto en el hablamos sobre Mis Inicios en la Fotografía. Fue una oportunidad muy bonita de poder compartir con más gente cómo empezó todo y estoy tremendamente agradecida a Ronald de haberme dado la oportunidad de estar allí. Ronald es un Fotógrafo Gastronómico con orígenes Venezolanos que tiene un trabajo espectacular. Sus imágenes no dejan indiferente a nadie, tiene un uso de los colores muy bonito, su trabajo evoca energía y frescura y su edición es precisa y limpia.

Después de haber tenido ese Live se me ocurrió la idea de recoger en una entrada del blog de Fotografía algunos de los temas de los que hablamos, así que, si os parece, comenzamos:

¿Cómo fueron mis inicios en la fotografía?

La fotografía, en mi caso, vino de mano de la gastronomía. Hasta hace un par de años yo no había cogido nunca una cámara, creedme. Resulta que yo solía trabajar en una pastelería de estilo francés en Irlanda, en la que elaboraba pasteles de muchísimos estilos, formas y colores. Desgraciadamente, con la pandemia, la pastelería tuvo que cerrar temporalmente y me quedé sin trabajo. Fue entonces que empecé a frustrarme un poco, porque trabajar haciendo ese tipo de elaboraciones que yo solía hacer en la pastelería era algo super creativo, trabajaba con texturas, colores, volúmenes, capas, formas…y claro, fue quedarme sin trabajo y sentir que no estaba usando esa creatividad. Así que decidí empezar a subir a redes las recetas que iba cocinando.

Después de unas semanas compartiendo mis recetas, empecé a descubrir cuentas de fotografía gastronómica y me dí cuenta que era una profesión como tal. En ese momento empecé a indagar porque lo encontré super interesante, era una profesión que mezclaba la cocina, que era una cosa que siempre me había gustado, los alimentos con los que siempre he tenido una relación muy cercana, con la fotografía que era una rama creativa. Sonaba como el combo perfecto.

En Mayo del 2020 me compre mi primera cámara y los meses posteriores los dediqué a formarme en fotografía de forma prácticamente autodidacta. Veía videos de YouTube sobre fotografía gastronómica, leía todo cuanto podía sobre este tema, hice cursos , me compré libros, etc.

Desde Mayo del 2020 hasta Abril de 2021, me dediqué en cuerpo y alma a formarme en fotografía, me centré en eso solamente, en practicar cada día, en estudiar mucho, en leer mucho, etc. A principios de 2021 me contactó por primera vez una marca de alimentación interesándose sobre mi fotografía. Fue entonces cuando me dí cuenta que mi trabajo tenía valor para otras personas  y además querían pagarme por ello.  Así que quizás sería buena idea dar el paso y ofertar mis servicios de fotografía gastronómica, lo cual tuvo lugar en Abril de 2021.

¿Cuáles son mis principales fuentes de inspiración?

Creo que fuentes de inspiración hay miles, depende mucho de cada uno y de sus gustos. A mi me gusta relajarme, es decir, hacer cualquier cosa que me haga desconectar de la rutina, como salir a dar un paseo, hacer un sendero con amigos o mi familia, tomarme algo fuera, etc. Eso me ayuda a relajarme y cuando estoy relajada me vienen más ideas y estoy más inspirada.

Otra forma es usando plataformas para creativos como Pinterest y Instagram, leyendo libros de cocina que me encantan, revistas de interiorismo y decoración, etc.

¿Qué valor personal añado a mis proyectos?

Creo que la naturalidad es uno de ellos. Me he criado en un pueblecito rodeado de naturaleza, sobre todo de olivos aquí en Jaén, siempre me ha gustado mucho estar en la naturaleza, subir a la sierra y pasar allí el día. Así que yo creo que eso ha influido en mi estilo, el introducir elementos naturales en mis fotografías, como flores, hojas, el uso del verde en mis fotos, etc.

Incluso mi madre me cuenta que me solía ir de pequeña con mi abuelo a recoger las verduras que estaban de temporada, a recoger los tomates, los higos, etc. Eso también me ha marcado, por ejemplo, cuando hago un bodegón, el transmitir las estaciones con las frutas de temporada.

También me han gustado siempre las manualidades, el bricolaje, dibujar, así que siempre he estado en contacto con texturas, colores, de forma inconsciente he trabajado con paletas de colores y creo que eso es algo que también se refleja en como uso los colores en mis fotografías.

¿Qué cosas han influido en el desarrollo de mi estética visual?

Indudablemente diría la gente que me he encontrado en el camino: hay 3 fotógrafos que desde que descubrí su trabajo siempre me han llenado de inspiración y creo que he forjado un poco más mi estilo estudiando el suyo propio.

El primero es Adina de Pancake Planet: ella hace un uso de los colores super bonito, tiene un estilo vintage muy romántico, todo se ve precioso, todo tiene un aire muy homemade, maneja la luz natural de una forma espectacular, me encanta cómo introduce elementos como la ropa o sus propias manos en las escenas, siempre encuentro muy inspirador su trabajo.

Luego está Kimberly de The Little Plantation que me parece que tiene un estilo super orgánico y con mucho movimiento, me gusta mucho el estilismo de sus platos, a todo le da una sensación de “hecho en casa”, de ternura y cariño. También es una gran formadora y encuentro su voz es bastante hipnótica.

Y por último está Nikki que es una fotógrafa Comercial de Nueva Zelanda (Revisededitionstyle) que me tiene enamorada, me parece que su trabajo es muy original y fresco, me encantan sus flatlays, los elementos naturales que usa en sus composiciones. Podemos decir que tiene un estilo más arriesgado y diferente a lo convencional.

Otra cosa que me ha influido son las estaciones y el lugar donde vivo: mi fotografía cambia según las estaciones, hace unas semanas empecé a revisar mis fotografías del verano pasado y me di cuenta que la mayoría había usado colores super alegres, luz dura, había mucha fotografía de bebidas…y conforme llegó el otoño y el invierno habían cambiado a fotografías más moodies, con sombras más contrastadas o más envolventes, etc….entonces he llegado a la conclusión de que va cambiando al ritmo de las estaciones.

Bueno familia, hasta aquí la entrada de hoy, espero que os haya parecido interesante. Gracias siempre por estar aquí y por apoyarme en este camino. Si tenéis más preguntas podéis dejarlas en comentarios y estaré feliz de contestarlas en otra futura entrada.
Si queréis seguir mi trabajo más de cerca, os invito a visitar mis redes sociales 😊

¡Hasta la próxima!