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Cómo encontrar clientes en tu negocio de fotografía

Cuando decides embarcarte en la aventura de emprender hay que hacerlo con cabeza, de nada vale tener mucha ilusión, tener mucha creatividad si luego no podemos hacer rentable nuestro negocio. ¿Y cómo se hace rentable/sostenible un negocio? Con CLIENTES. Con clientes que nos generen ingresos con los que hacer frente a todos los gastos derivados del negocio, que no son pocos, como habrás podido darte cuenta.

Cuando empezamos lo hacemos con la ilusión de que nuestros productos/servicios se venderán solos, así como por arte de magia. Como si fuéramos archi reconocidos en el sector y lleváramos años trabajando en la industria.

Cuando tenemos estos pajaritos en la cabeza lo normal es llevarse un buen ZASCA. Yo me lo llevé, y me ha llevado tiempo darme cuenta en donde fallaba, por qué no me llegaban suficientes clientes y por qué el poco dinero que entraba se iba en pagar facturas.

Lo cierto es que no tenía una buena estrategia de negocio y, a decir verdad, es algo que se va construyendo con el tiempo, a base de caerse, levantarse y aprender. A base de conocer el sector y cómo funciona un negocio…que suele ser donde flaqueamos la mayoría de creativos.

Pero compañeros, la creatividad no da de comer, lo hace un negocio que funcione y para ello tenemos que tener clientes.

¿Quieres saber cómo yo encuentro mis clientes? Sigue leyendo…

fotografía de mesa de trabajo de estudio de fotografía de producto creativa. Cómo encontrar clientes como Fotógrafo profesional. Capturando la Esencia Fotografía publicitaria de producto y gastronomía creativa con fines comerciales

A TRAVÉS DE REDES SOCIALES

Primero de todo, ¿qué plataformas usan principalmente tus clientes? ¿Instagram? ¿Facebook?. Por ejemplo, la mayoría de mis clientes usan mucho Instagram, están activos en esa plataforma. Es por eso que me enfoco en esa plataforma a la hora de mostrar mi contenido y de hablar sobre mi negocio. De nada serviría estar muy presente en Pinterest o en Linkedin si tus clientes apenas usan esas plataformas o no las usan con el fin de encontrar fotógrafos para sus campañas. ¿Lo entiendes? Sería una pérdida de tiempo por nuestra parte. Y no estamos para perder el tiempo, sino para ser eficientes.

BÚSQUEDA DE CLIENTES EN INSTAGRAM

Mi plataforma principal para buscar clientes es Instagram y te voy a contar cómo lo hago:

  1. Suelo buscar las marcas que me gustan y las guardo en una carpeta privada.
  2. Suelo interaccionar con ellas, bien dejando algún comentario o dándole a like.
  3. Hecho esto, les suelo escribir un mensaje privado donde les explico quien soy, lo que hago y si me pueden facilitar el correo del responsable de marketing. Dedicarle el tiempo a esta tarea es primordial ya que con un poco de suerte la persona que se encargue de gestionar el perfil te facilitará el correo y el nombre de la persona con quien continuar la conversación (alguien del departamento de marketing).
  4. Si los astros se alinean y conseguimos tener acceso a ese correo de alguien del departamento de marketing, nos iremos a nuestro correo y redactaremos un correo de presentación. En ese correo que tiene que ser entre amigable y profesional y sobre todo, si puede ser, con el nombre de la persona en él, explicaremos quien somos, lo que hacemos, ideal sería adjuntar un link a nuestro portafolio, nuestros servicios, etc. Un correo que tenga la información más importante pero que no sea la biblia. Tened en cuenta que estas personas reciben cientos de correos diariamente y no queremos que por largo e irrelevante lo descarten o directamente lo borren.
  5. Una vez hecho el trabajo duro, pueden ocurrir 2 cosas, que nos contesten con su decisión ( el típico “ te tendremos en cuenta”, “nos ha gustado mucho tu trabajo, nos guardamos tu contacto” o “ justamente tenemos una campaña en mente, presupuéstanos X imágenes”), o bien que no nos contesten. En el caso de que no nos contesten yo volvería a enviarles un nuevo correo pasados unos días, a modo recordatorio, donde le comentaría que hace unos días contactaste con el/ella y que no has obtenido respuesta (algo por el estilo, e incluyes link a tu portafolio, web, etc de nuevo).
  6. A veces, a la primera no hay éxito, pero lo hay a la segunda o la tercera. Así que paciencia…Roma no se construyó en un día.

Como ves, esto es un camino que hay que recorrer sin prisas, nadie tiene una cartera de clientes en la puerta sin haber hecho el trabajo duro previamente.

Personalmente esta es la forma que más me ha ayudado a contactar y trabajar con mis actuales clientes.

Y si quieres otro tip, te aconsejo, si realmente deseas trabajar con una marca en concreto, ve a la tienda, compra algunos de los productos de esa marca, hazle unas fotos maravillosas y ponlas en tu portafolio. Así cuando, con suerte, vean tu portafolio se harán una idea del tipo de fotografías y calidad que podrías suministrarle si te contrataran. Recuerda, todo suma.

 

BÚSQUEDA DE CLIENTES EN LINKEDIN

En este caso lo que hago es buscar el perfil de la marca con la que quiero trabajar, una vez en el perfil de la marca, me voy a sus empleados y busco los de marketing. Les envío solicitud para poder conectar con ellos (puedes añadir una nota informativa también) y cuando me aceptan comienzo a entablar una conversación con ellos, donde les cuento un poco sobre mi y mis servicios y le pregunto quién es la persona responsable de gestionar las campañas ( porque habrá casos que si es una empresa medianamente grande, habrá varios perfiles en el departamento de marketing)

Si todo va bien, alguna de esas personas te facilitará el correo del responsable y podrás entablar conversación por correo, igual que en el caso anterior.

ENVIAR CORREOS A DIRECCIONES GENÉRICAS TIPO INFO@…

En mi experiencia personal, raramente he logrado contactar con el que “pincha y corta” o con el “que manda”. Suelen ser correos que están accesibles para todo el mundo y al final la persona que hay detrás, tienen que filtrar mucho y puede que tu correo no llegue a buen puerto. Así que, aunque tardes más, te aconsejo los métodos anteriores.

OTROS MÉTODOS PARA BUSCAR CLIENTES

  • Amazon: puedes buscar en amazon el tipo de producto con el que te gustaría trabajar. Por ejemplo, puedes poner en el buscador “mantequilla de cacahuete” o “zumo de naranja” o “producto X”. Al hacer la búsqueda te aparecerán un montón de productos de ese tipo de varias marcas. Es una forma de conocer diferentes marcas y poder contactar con ellas. Sin embargo, esta opción solo la recomendaría si tu negocio está enfocado a servir al mercado internacional ya que las marcas que vas a encontrar en amazon van a ser de todos los rincones del mundo.

  • Ferias Gastronómicas o de Producto: suele haber varias al año y es una forma maravillosa de conocer marcas nuevas. Podremos interaccionar con ellas, explicarles lo que hacemos y dejarles nuestra tarjeta de empresa.
  • Invertir en SEO para tu web: si ya tienes una web (lo cual es prácticamente indispensable) y quieres generar más visitas que puedan traducirse en clientes, invertir en este servicio es muy aconsejable. Si te pones en buenas manos, podrás posicionarte en los primeros puestos de Google en cuestión de unos meses (aunque esto dependerá de tu localización, de cuantos competidores tienes, cuál es tu sector específico de fotografía, etc), lo cual hará que tus potenciales clientes te encuentren antes que a tu competencia.
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Mi Equipo Fotográfico

Bienvenidos a una nueva entrada del blog. En esta ocasión, vamos a hablar sobre mi equipo para fotografía de producto y gastronómica ( mi cuerpo de cámara, lentes, trípodes, iluminación, etc.). Así que si este tema te interesa, quédate conmigo 😉

 Siempre es un quebradero de cabeza pensar qué cámara comprar o en qué lente invertir y cómo conseguir un equipo de trabajo completo y de calidad. A continuación, os voy a compartir mi equipo de trabajo, las actualizaciones que he ido haciendo y las que tengo en mente hacer en un futuro.

Cuerpo de Cámara

Mi primera cámara fue la Canon 800D con “Crop Sensor” que utilicé durante 1 año. Por experiencia personal, recomiendo siempre que las cámaras sean Full Frame ( si realizas también fotografía de producto), es muy incómodo trabajar en espacios reducidos con cámaras “Crop Sensor”. Para los que aún no estéis muy familiarizados con la terminología os digo que una cámara Crop Sensor lo que hace es aumentar el frame, es como si hiciese zoom. Por ejemplo, una lente de 50mm en una cámara crop sensor funcionaría como una lente de 70-80mm aproximadamente. Esto quiere decir, que si quieres fotografiar una escena más o menos grande, tienes que posicionar la cámara mas alejada de la escena. Por tanto, si tu estudio es pequeño o sueles trabajar en espacios reducidos esto será muy molesto.

Mi cámara actual es la Canon 6D mark II y lleva conmigo 3 años ( 2021-actualmente). Es una cámara que da un resultado profesional. Si buscas un cuerpo de cámara más o menos asequible y que te de un resultado profesional en fotografía, ésta puede ser tu mejor opción. Ahora bien, si entre tus servicios también se encuentra la realización de vídeo, entonces no te la aconsejo, su calidad para vídeo deja mucho que desear.

Mi próximo cuerpo de cámara seguramente que sea el Canon R5 Mirrorless Full Frame, he leído muy buenas opiniones sobre este cuerpo y es un salto hacia algo mucho más profesional, aunque también es una buena inversión.

Lentes

Las principales lentes que uso en este momento son la Canon EF 50mm 1.8 ( muy asequible para empezar y funciona genial para fotografía gastronómica y de producto) y Tamron EF 24-70mm 2.8, que da una versatilidad enorme y la  100mm de Canon para conseguir imágenes de producto más nítidas y con más detalle y realización de close ups.

Iluminación con Flash

Actualmente estoy utilizando el flash de Godox AD400 pro con potencia suficiente si quieres dedicarte a la fotografía de producto y quieres apostar por iluminación de calidad desde el principio. Mi siguiente adquisición será el Godox AD600 pro, que es el hermano mayor del AD400 pro.

Iluminación con Luz Continua

También tengo luz continua, mayoritariamente para vídeo, el Godox SL150. Aunque si os soy sincera, se queda un pelín corto de potencia para mi gusto personal y usando mi equipo actual. Quizá con otro cuerpo de cámara y lentes más luminosas se pueda conseguir un mejor resultado. Como dato interesante, la luz continua suele ser más asequible que los flash y funciona de una forma más parecida a la luz natural, así que si estás empezando y no tienes mucho presupuesto, la luz continua podría ser tu mejor opción, además que tambien la podrías usar para creación de videos.

 

Trigger

El que utilizo para conectar mi cámara al flash es el X pro C para Canon

Softboxes

Tengo dos, uno de 60×90 cm que es el que uso mayoritariamente y otro de 120x80cm para escenas más grandes.

C-Stand para Flat Lays

Para planos cenitales mi gran aliado es el C-Stand de Neweer, que además de sostener la cámara también se puede usar para sujetar flashes, fondos, telas, etc.

Trípode para la Cámara

Aquí cuanto más robusto mejor. Aún estoy usando el primero que me compré que no es de ninguna marca reconocida pero que me está funcionando fenomenal. Si quieres ir a lo seguro, recomiendo Manfrotto. Es una marca fiable.

Portafondos

Auper útil para sujetar fondos, telas, etc. El mío es este. Puedes añadirle o eliminarle barras según lo largo que quieras que sea, además es super sencillo de montar.

Tablet

La uso para poder ver las imágenes de la cámara en tamaño más grande, así puedo ver mejor los detalles. Para ello, hay que descargar la app de Canon ( Canon Camera Connect) e instalarla en la Tablet. Te puedes conectar por Bluetooth o por Wifi con la cámara. Et Voilá!

Resulta muy cómoda sobre todo cuando tienes que hacer también de modelo en una fotografía, así puedes controlar mejor la posición de tu cuerpo o manos.

Tarjetas de Memoria 

Actualmente estoy usando la marca Sandisk para la Cámara y me funciona muy bien.

Disco Duro Externo

Para guardar mis fotos tanto en formato RAW como en JPG, utilizo un disco duro externo, para evitar colapsar el disco duro del ordenador. El mío es de la marca “WD” y tiene una capacidad de memoria de 4TB.

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Mi Kit de Estudio para Fotografía de Producto

Para conseguir ciertos acabados, sujetar ciertos elementos o limpiar ciertas superficies, hacen falta una serie de herramientas que forman parte de mi “KIT de Estudio” y que pronto formarán parte del tuyo tambien, ya que , en la siguiente entrada, te contaré lo útiles que son y cómo te harán la vida más fácil en el estudio.

kit de estudio para fotografía de producto. Capturando la Esencia fotografía comercial de producto y de comida y bebida.
Imágenes sacadas de Amazon

Masilla adhesiva o “Blue Tack” 

Mi gran aliado. Lo uso sobre todo en Fotografía de Producto y es el mejor amigo a la hora de sujetar elementos de la escena. Además es super asequible y dura muchísimo ya que puedes reutilizarlo las veces que quieras. Se puede usar para sujetar fondos a la pared, para sujetar objetivos en una posición concreta (como ingredientes frescos o productos no muy pesados, etc.). Yo utilizo esta.

Pinzas

Las pinzas van genial sobre todo cuando tenemos que hacer un estilismo más detallado, permiten llegar a huecos que con la mano no podrías y terminarías arruinando todo el estilismo. Se pueden encontrar en diferentes tamaños y son de gran utilidad.

Imán para sujetar objetos 

Estas “manos extra” también vienen genial sobre todo cuando estamos trabajando solos ( la mayoría de los freelance lo hacemos) y necesitamos un par de manos extra para sujetar ciertos elementos de la escena. Con estas “manos” podremos sujetar objetos o incluso las podremos utilizar como apoyo cuando queramos hacer una escena con diferentes productos y alguno de ellos esté levitando. Este es el mío.

Spray Glicerina-Agua

Esta mezcla es muy utilizada sobre todo en la fotografía de bebidas. Al mezclar agua y glicerina lo que conseguimos es que las gotitas se fijen a la superficie y permanezcan inmóviles…de esta forma disponemos de más tiempo para sacar fotos sin que las gotas se evaporen o pierdan su forma. Incluso días después, la gotas seguirán ahí.

La glicerina la podéis comprar en cualquier farmacia.

Paletas

Las paletas son super útiles en fotografía de producto, cuando queremos fotografiar la textura de algún maquillaje o cosmético de belleza. Podemos disponer unas gotas de maquillaje líquido o en polvo y delicadamente aplastarlo con las paletas para crear una figura mucho más atractiva.

fotografía de producto comercial crema corporal de la marca de higiene clarins. Capturando la Esencia fotógrafa creativa para contenido de redes sociales y publicidad

Base para sujetar flores/u otros objetos ( Kenzan)

¿Quién no ha visto alguna vez esas composiciones florales tan bonitas acompañando a un producto? Si amigos, este es el secreto para que esas flores se puedan posicionar en vertical sin que se caigan. Se trata de pequeñas bases con pinchos en los cuales se hincan los tallos de las flores. Puedes ver el  “detrás de cámara” de esta imagen aquí.

Fotografía de producto creativa de la marca Ziajapara marcas de productos de higiene y cuidado personal. Capturando la esencia fotografía creativa comercial

Pinchos de Madera 

Personalmente, los suelo utilizar para unir frutas frescas en la escena. Imaginaros dos limones uno encima del otro. Por mera gravedad y por su superficie curva, tienden a caerse. Bueno, pues aquí está la solución. ¡Unir los dos limones con un palo de pinchitos! Y un pequeño truco que también os hará todo el proceso mas fácil será allanar la base del primer limón, así que haced un corte recto a la base del primer limón para que tenga más estabilidad. De esta forma, será más fácil que ambos se mantengan de pie.

Pincel

Este también es un básico en fotografía y tengo uno más pequeño y otro más grande. El pequeño lo suelo usar para pincelar ciertas recetas con un poco de aceite y aumentar un poquito su apetencia e interés visual. ¡Unos brillitos aquí y allá! El más grande lo utilizo para limpiar escenas de polvo, semillas, migas de pan o cositas que sobran en la escena.

Embudo

Si alguna vez habéis hecho fotografía de bebidas sabréis que no es nada fácil mantener los vasos limpios. Bueno pues, ¡aquí os traigo la solución!. Usar un embudo para llenar los vasos con el líquido deseado nos dará más control y evitaremos salpicaduras indeseadas. Al final, cuanto menos manipulemos el vaso mejor, sobre todo cuando son de cristal y se notan todas las huellas después.

Trapo y Bayeta

Trabajando con alimentos no es un secreto que las superficies de trabajo se ensuciarán y tener a mano una buena bayeta absorbente con un poquito de jabón y un trapo para secarla posteriormente nos ayudará a mantener la limpieza y el orden en el estudio..

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12 Recursos de Estilismo para Fotografía de Producto

Las tendencias en fotografía de producto van cambiando a lo largo de los años. Los recursos que se utilizan, los esquemas de iluminación, el atrezzo, el estilismo, etc.

Es por ello que he querido recopilar 12 Ideas de Estilismo para Fotografía de Producto, con las cuales ayudaros e inspiraros para vuestras sesiones con clientes.

Hay ciertos estilos de fotos que a los clientes siempre les encanta, y la razón es porque son  ATRACTIVAS, ENGANCHAN y FUNCIONAN. ¿Por qué? Porque utilizan los siguientes recursos:

1.-Levitación

Esta técnica consiste en presentar los productos de tal forma que parece que están flotando o levitando. Es una recurso más conceptual, novedoso y divertido. Aquí necesitarás la ayuda de alguna herramienta que te ayude a sostener los productos en el lugar que quieres. Aquí te dejo un Reel de la imagen RAW frente a la EDITADA para que veas cómo monté la escena para conseguir que las latas levitaran.

Puedes encontrar mis manos extra de estudio aquí ( me ayudaron a sujetar los palillos)

fotografía de producto creativa marca aguanea levitando. Capturando la Esencia Fotografía publicitaria de producto creativa con fines comerciales

2.-Paleta Monocromática

¿Quien no se ha enamorado alguna vez de una imagen donde predomina mayoritariamente un solo color? El recurso que se utiliza es la repetición del color en los diferentes elementos de la imagen, usando diferentes tonos.

Fotografía creativa de producto marca nakd. Capturando la Esencia Fotografía publicitaria de producto creativa con fines comerciales

3.-“The Hero Shot”

En este tipo de imágenes el producto se encuentra generalmente sobre un pódium o stand ( En esta entrada te explico cuáles son mis stands y props favoritos y dónde encontrarlos) y la cámara se sitúa en una posición más baja y mirando hacia el producto, que suele estar más alto.

Suelen ser imágenes muy poderosas y que no pasan desapercibidas.

fotografía de producto comercial de rimel de pestañas de la marca de cosmética Mina. Capturando la Esencia fotografía creativa publicitaria y contenido de redes sociales

4.-“Hands in Frame”

Utilizar elementos humanos es un recurso muy utilizado en fotografía de producto, sobre todo cuando el producto en sí es un producto de cuidado personal o necesita ser de alguna forma manipulado con las manos. Este recurso aporta una sensación de naturalidad y cercanía y suelen funcionar muy bien.

Como consejo, siempre que aparezcan manos en la fotografía, aseguraros que estén cuidadas, hidratadas y las uñas estén limpias. Las marcas de cuidado personal se fijan mucho en estos detalles.

fotografía creativa de producto de higiene personal para el cabello de la marca Banbu. Capturando la Esencia Fotografía publicitaria de producto creativa con fines comerciales

5.-Patrones

Es una técnica que está muy de moda y que consiste en repetir el mismo producto a lo largo de toda la imagen. Puede ser el producto tal cual, el producto abierto y sin abrir, o bien un grupo de diferentes productos de la misma marca o que tengan relación entre sí. Son generalmente super atractivas, divertidas y no necesitas nada o poco atrezzo.

Suelen ser el resultado de un montaje en Photoshop mediante el copiado y el pegado del mismo producto varias veces.

fotografía de producto comercial de mascara de pestañas de la marca de cosmética 3ina. Capturando la Esencia fotografía creativa para publicidad y contenido de redes sociales

6.-“The Shelfie”

Funciona muy bien con productos de higiene y cuidado personal. Se utiliza mucho este recurso para simular baldas del baño y suele ir acompañado de atrezzo que apoye esta temática, como esponjas, peines, flores, ingredientes frescos, etc.

Se puede crear una balda o incluso 2 o 3 baldas, según el nº de productos que aparezcan en la foto. Las baldas pueden ser de cristal, madera o acrílicas.

Fotografía de gel de ducha de la marca Caudalie. Capturando la Esencia Fotografía publicitaria de producto creativa con fines comerciales

7.-Mostrar Ingredientes

Es una forma de acercar al consumidor la composición del producto, los ingredientes por los que está hecho, sus notas de aroma, o maridaje. Suelen ser imágenes muy bonitas y delicadas con mucho contraste de texturas.

Ejemplo de fondo de fotografía aplicado en escenario del producto de aceite de oliva virgen extra. Donde comprar fondos de fotografía. Capturando la Esencia

8.-Texturas

Esta técnica da lugar a imágenes super atractivas ya que el espectador puede ver que es lo que esconde el producto en su interior. Podemos presentar la textura en forma de gotitas, rayas, pinceladas, “swatches”, etc.

fotografía de producto comercial crema corporal de la marca de higiene clarins. Capturando la Esencia fotógrafa creativa para contenido de redes sociales y publicidad

9.-Flat lay con Formas Geométricas

Es una forma divertida de generar interés a través de diferentes formas geométricas. Y aquí podemos ser tan creativos como queramos, pudiendo usar las mismas formas en diferentes tamaños o bien una mezcla de diferentes formas y tamaños.

Fotografía de producto yogur de plátano y manzana. Capturando la Esencia Fotografía publicitaria de producto y gastronomía creativa con fines comerciales.

10.-Sin Props

A veces menos es más y en este tipo de imágenes, no cabe duda que no va a haber nada que compita con el producto y le deje en un segundo plano. Son imágenes en los que solamente aparece nuestro producto sin ningún otro elemento de atrezzo.

Fotografía de producto creativa de marca nakd. Capturando la Esencia Fotografía publicitaria de producto creativa con fines comerciales

11.-Ondas de agua

Este tipo de imágenes funcionan super bien, son divertidas y muy fáciles de hacer, aunque requieren de paciencia. Necesitaremos:

  • Una bandeja acrílica y transparente grande
  • Un fondo que pondremos debajo de la bandeja
  • Agua para rellenar la bandeja
  • Un secador para mover el agua
  • El producto en sí

Son ideales como contenido para los meses de verano ya que nos transportan directamente a la piscina y a la playa.

Yo estoy usando actualmente esta bandeja , que mide 50x30cm. Es suficiente si trabajas con productos que no sean muy grandes, pero en ocasiones se me queda pequeña para otros. Lo bueno que tiene es que es bastante asequible, lo malo que viene con dos asas huecas, las cuales tuve que tapar con unas láminas de plástico y silicona para poder llenarla más  de agua y crear olas más interesantes.

Si tenéis más presupuesto, os recomiendo ésta, que mide 60x60cm y que os servirá para prácticamente todo tipo de productos.

Secuencia de stop motion de producto creativa de un gel de ducha de la marca Caudalie. Capturando la Esencia Fotografía publicitaria de producto creativa con fines comerciales

12.-Superficie Reflectante

En este tipo de fotografía de producto lo que se suele hacer es colocar un espejo o una superficie reflectante como base del producto. Esto da lugar a una repetición o reflejo del producto que da una sensación muy elegante.

Es un tipo de fotografía quizás algo más compleja de realizar, porque al igual que se refleja el producto, también se reflejarán otros posibles elementos que formen parte de la escena, como trípodes, fondos, cámara, etc. aquí el truco está con jugar con el ángulo de la cámara.

fotografía creativa de bebidas ginebra. Capturando la Esencia Fotografía publicitaria de producto creativa con fines comerciales
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Cómo Explicar Copyright a Clientes

Esta entrada está especialmente dedicada a otros compañeros fotógrafos y a potenciales clientes, con el afán de solventar todas las dudas sobre los “derechos de autor” y “licencias de uso”.

Estoy segura que en alguna ocasión te has cruzado con el término “derechos de autor” pero no has terminado de entender exactamente a lo que se refiere, y la verdad es que existen muchos malentendidos sobre este tema.

Además, en muchas ocasiones resultar difícil explicar los derechos de autor a un cliente potencial que dice tener el derecho de poseer los derechos de autor de tus imágenes.

En este post desarrollaré este tema para que puedas conocer todos los aspectos importantes y la forma más fácil de educar a tus clientes al respecto.

Fotografía comercial de colonia de victorio y lucchino. Capturando la esencia fotógrafo de producto.
Fotografía Comercial con los productos de Victorio&Lucchino

¿Qué son los Derechos de Autor?

Vamos con una pequeña definición: “Un derecho de autor es el derecho legal exclusivo de los creadores de reproducir, distribuir, exhibir públicamente o crear obras derivadas de la obra original. Un derecho de autor también otorga a su propietario el derecho exclusivo de otorgar licencias de esos derechos de uso a otros”. (De ppa.com). 

Los derechos de autor son una forma de demostrar la propiedad intelectual, del mismo modo que un recibo puede demostrar la propiedad de un producto físico. Los derechos de autor se encuentran en fotografías, videos, películas, música y cualquier tipo de trabajo original que alguien cree (arte).

Como fotógrafo, en el momento en que presionas el botón del obturador y se captura una imagen, eres propietario de los derechos de autor ( a excepción de que hayas firmado un contrato en el que el fotógrafo cede su derechos de autor a un tercero, con su correspondiente compensación).

Derechos de Autor Vs Licencias de Uso

Como propietario de los derechos de autor de una foto o un vídeo, tienes la posibilidad de emitir una licencia a otras partes para que utilicen ese contenido ( estas partes suelen ser los clientes) Una licencia generalmente describe los detalles de los lugares donde se puede usar la imagen, la duración y cualquier otra limitación específica.

¿El cliente no obtiene los  Derechos de Autor habiendo pagado por la sesión?

No. El simple hecho de que alguien haya pagado para que se realice una sesión de fotos no significa que se le transfieran los derechos de autor.

De hecho, y a grandes rasgos, el importe de la sesión, sin tener en cuenta licencias de uso, suele ser el resultado del tiempo que el fotógrafo ha invertido en el desarrollo de ese proyecto en concreto y los materiales que hayan sido necesarios para llevarse a cabo. 

En la mayoría de los casos, no es necesario que el cliente sea propietario de los derechos de autor de las imágenes. No necesitan la capacidad de revender las imágenes ni otorgar licencias a otras empresas. Simplemente quieren mostrar el trabajo y utilizarlo en sus planes de marketing. 

Una licencia les permitirá hacerlo al precio más rentable. ¿Por qué? Porque el precio de una licencia se basa en el volumen de ojos que potencialmente verán ese trabajo y cuántos ingresos totales se espera que genere para el cliente. Por ejemplo:

  • Un cliente pequeño que hará un uso limitado de las fotos= poco o ningún cargo por la licencia.
  • Un cliente multinacional que haga un uso extenso a través de publicidad = paga €€€€.  

Limitar el uso de una imagen únicamente a las necesidades que tiene el cliente ayuda a mantener bajos los costos de licencia, por eso siempre es mejor pagar por el uso que se le va a hacer (lo que se llama, licencia de uso). 

Fotografía comercial de producto de especias las hermanas. Capturando la esencia fotógrafa de producto.
Fotografía Comercial con los Productos de Hecho en la Vera

Importancia de los Derechos de Autor

Nuestros clientes son empresas que utilizan nuestras imágenes para ganar más dinero. Piensa en cualquier anuncio que veas. Para que una empresa haga correr la voz de manera efectiva sobre quiénes son y sus productos, necesitan fotografías y videos impresionantes.

Sin fotos/vídeos no hay campaña publicitaria. No se puede anunciar en una valla publicitaria sin algún tipo de recurso creativo para atraer visualmente a las personas.

Mantener los derechos de autor de una imagen garantiza que tenemos control sobre quién usa nuestras fotos, cómo las usan y que recibimos una compensación justa según el uso. Las ganancias de un fotógrafo comercial en su negocio dependen en gran medida de las licencias de imagen. Sus imágenes impulsan las ganancias de sus clientes y nosotros, como fotógrafos, merecemos ser compensado en consecuencia.

¿Cómo educo a  un cliente que piensa que necesita mis derechos de autor?

Quizás con un ejemplo, lo podamos entender mejor. 

Cuando escuchamos música en Spotify, podemos transmitir música con anuncios o sin ellos (pagando una suscripción). Esta suscripción te permite disfrutar de la música sin anuncios. Estas plataformas como Spotify requieren de ingresos para poder pagar las licencias a los autores de esa música. Lo mismo ocurre con las salas de cine y las películas que proyectan o Netflix. 

En todos estos ejemplos, disfrutamos del uso de estas obras creativas, muchas veces con suscripciones pagadas, pero en realidad no las poseemos. No tenemos derecho a crear una copia de nuestro programa favorito en Netflix e intentar venderlo a personas en Internet. Eso es piratería y espero que todos sepamos que eso no está bien y es ilegal. 

 

¿Cómo Explicar los Derechos de Autor a un Cliente?

Comprar una licencia en realidad se adapta mejor a las necesidades del cliente y presupuesto. Comprar derechos de autor es mucho más caro y la licencia ayuda a pagar sólo por lo que necesita.

Por ejemplo, si no necesita usar las imágenes en transmisiones de televisión, o en paradas de autobús, o en vallas publicitarias, solo quieren usarlas en su sitio web, redes sociales y email marketing, entonces el cliente solo tiene que pagar por eso. Es algo así como ser propietario de una casa versus alquilarla”. 

Si compras una casa podrás hacer y deshacer a tu gusto, podrás revenderla si quisieras, podrás tirar tabiques y hacer tabiques donde te plazca, sin embargo, cuando alquilas, puedes disfrutar igualmente de ella, pero con limitaciones, porque no eres el dueño de ella.

  • Casa comprada=cliente compra los derechos de autor= puede usar las imágenes a su antojo= compensación alta al fotógrafo
  • Casa alquilada= el cliente solo paga por la licencia de uso de las imágenes= uso limitado y según sus necesidades= acuerdo rentable para el cliente y el fotógrafo)

Una vez conocidas las necesidades del cliente se puede diseñar un acuerdo de licencia donde el cliente no tenga que pagar por nada que no vaya a utilizar. Considero importante que mis clientes puedan lograr todo lo que necesitan con mis imágenes sin complicaciones y a un precio que se ajuste a su presupuesto. Y la ventaja para el cliente es que ahorrará dinero porque estamos creando algo que se adapta a sus necesidades únicas.

fotografía de producto comercial de labiales en barra para la marca de cosmética Mina. Capturando la Esencia fotografía creativa publicitaria y contenido de redes sociales
Fotografía Comercial con los productos de Mina

Esto significa Salir de mi Zona de Comfort

Lo sé, es mucho más fácil pasar por alto estas cosas y darle al cliente lo que pide, ¿verdad? Rechazar las cláusulas de los contratos y negociar licencias parece una tarea compleja. Pero, sinceramente, para mantener un negocio de fotografía comercial sostenible a largo plazo y poder ganarse la vida haciendo este trabajo, debes recordar que tus derechos de autor son algo muy importante. El contenido que creas es valioso. Tus derechos de autor son valiosos. Y por tanto, hay que protegerlos.

 

 

 

Origen de la fuente: (Entrada traducida y parcialmente modificada de): https://thebiteshot.com/how-to-explain-copyright-to-a-client/

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Mis Props Favoritos y Dónde Conseguirlos

Si hay algo que adoro en fotografía de producto son los props. Sus preciosas formas y colores , sus texturas delicadas y sus infinitos usos alimentan mi creatividad y animan a probar todas las composiciones habidas y por haber.

Los que ya me conocéis, sabéis que soy una loca de los colores y de las formas geométricas, y cada vez más, mi trabajo se reconoce y diferencia por esta característica. Y diferenciarse, creedme, es bueno, muy bueno.

Es por ello, que en la entrada de hoy os quiero hablar sobre algunos de mis props favoritos y dónde conseguirlos. De entrada os digo, que los props son una inversión. Sé que al principio de este camino nos hacemos muchas preguntas sobre si merece la pena invertir en props, de si es un buen momento para hacerlo o es mejor esperar.

Por experiencia, te puedo decir, que todas las inversiones que he hecho han dado su fruto y han ayudado a mi negocio a fortalecerse, a mejorar, y a conseguir imágenes muchísimo más atractivas e interesantes.

props de fotografía de producto comercial en diferentes colores y formas. Mis props favoritos y Dónde conseguirlos. Props para fotografía de producto. Capturando la esencia fotografa comercial.
Props de Marked Props y Plinthy Plints

¿Son baratos los props para fotografía de producto?

Invertir en props, en muchas ocasiones, supone darle un buen bajón a la cuenta corriente, pero con el tiempo, merece la pena y este dinero vuelve. Imaginad que os gastáis 500 euros en props. Al mes siguiente, debido a esos props tan maravillosos que hacen que vuestras imágenes se vean brutales, conseguís agendar una sesión con valor de 1000 euros. Ya habréis recuperado la inversión y podréis seguir utilizándolos, si los cuidáis bien, por muchísimos años tanto para proyectos personales como para otros clientes.

Lo único que os recomiendo, es que no malgastéis vuestro preciado dinero en props baratos porque a la larga os salen caros. Olvidaros de los stands de espuma del Aliexpress, yo también caí en la tentación y ahora me arrepiento. Ya que ese dinero lo podría haber invertido en algo de mayor calidad ( aunque es cierto, que me ayudaron en su momento y tampoco disponía del presupuesto para invertir en algo mejor, todo hay que decirlo).

¿Dónde comprar props para fotografía profesional?

Y sin más dilación, vamos al tema. A continuación os muestro algunas tiendas donde podéis encontrar props de calidad. Principalmente son stands y pódiums, algunas figuras geométricas y también fondos para fotografía de producto.

Propsyland

Es una tienda online australiana que vende stands de diferentes formas y colores, así como fondos. Son conocidos por su calidad, y como todo en fotografía estos props son toda una inversión si quieres hacer tus imágenes mucho más atractivas. Destaca por su gran variedad de formas, y en redes, por ser un equipo alocado y divertido que casa perfectamente con el estilo de sus productos. Si estás dispuesto a invertir, este es el mejor lugar. Recibí su pedido hace un par de semanas y tengo que decir que su calidad y acabado es de lo mejor que he visto hasta ahora. Super recomendables.

Markedprops

Muy similares a los australianos, pero tienen su sede en EE.UU. Su variedad de props es un pelín más limitada que Propsyland aunque sus precios andan un poco por debajo de los primeros. Su calidad es muy buena también. Tengo varios de sus props en mi colección también. He de decir que el acabado en algunas piezas no es perfecto del todo pero si sabes manejar photoshop, son imperfecciones que se eliminan fácilmente ya que son pequeñas.

Moodelier

Es la primera marca que conocí que realizaba este tipo de props. Son de excelente calidad y al igual que Propsyland, también son australianos. Tiene una variedad aceptable de animados y coloridos props que sentarán maravillosamente cualquier colección de props. Personalmente no tengo ninguno de sus props pero sé de compañeros fotógrafos que alaban su acabado y calidad.

Plinthy Plinths

Esta marca de props tiene su residencia en el Reino Unido. Algunos de sus productos están hechos de madera y otros son impresos en 3D. Son más asequibles en comparación de los anteriores pero también tienen un calidad inferior.

MadProps

Esta tienda también se encuentra en el Reino Unido y dispone de una extensa variedad de stands de madera y resina. Así como otros props acrílicos. En este caso todos sus props se venden en blanco para que nosotros podamos pintarlos del color que necesitemos y darles infinitas vidas. Recientemente han anunciado que van a cerrar y han subido todo el stock sobrante a la web. Quizás que aún estés a tiempo de conseguir alguna ganga.

Everyday Co

Esta tienda australiana dispone de una amplia colección de atrezzo para fotografía, stands, fondos, bandejas acrílicas, piezas de terrazo, etc. Super útil cuando quieres comprar gran variedad de atrezzo en el mismo sitio y ahorrarte los gastos de envío de diferentes tiendas.

Prop Face

Esta una de las tiendas online más grandes de props, parecida a Everyday Co, pero está situada en EE.UU. Puedes encontrar cosas muy interesantes y bastante asequibles (dentro de lo asequible que es todo el material de fotografía jeje).

colección de stands y bases para fotografía. Capturando la Esencia Fotografía publicitaria de producto y gastronomía creativa con fines comerciales
Props de Plinthy Plinths

Consideraciones sobre aranceles en pedidos internacionales

¡¡IMPORTANTE!! Si sois ciudadanos de la Unión Europea y realizáis un pedido a un país fuera de ésta, tened SIEMPRE en cuenta que en algunas ocasiones ( sobre todo si son pedidos grandes) se os cobrará un ARANCEL cuando el paquete llegue a ADUANAS de España, y normalmente es una sorpresa que no es para bien porque necesitas desembolsar aún más dinero.

Para que os hagáis una idea, yo realicé un pedido a Plinthy Plinths por un valor de 400€ aproximadamente y pagué 160€ de aranceles, así que el valor total fue de unos 560€; también hice otro pedido a Marked Props por un valor de 500€ y pagué de aranceles unos 28€, y finalmente hice uno a Propsyland por un valor de 800€ y pagué de aranceles  unos 280€. Digamos que no hay una forma de saber cuanto será el total hasta una vez recibas el paquete…

Otro dato curioso, es que en alguna ocasión he pagado el ARANCEL antes de la llegada del producto; y en otras ocasiones ha sido durante la misma entrega del paquete o a posteriori, supongo que dependerá del valor total del pedido y de la empresa que se encargue de realizar el reparto.

También creo recordar, que para pedidos de menos de 150€ no se pagan ARANCELES, podéis consultar más info en la web de la Agencia Tributaria en la sección de ADUANA.

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Acompáñame en el Proceso Creativo de una Fotografía de Producto- Cliente Real

Hola de nuevo a todos, hoy vengo a hablar del proceso creativo de una imagen de producto. A estas alturas ya sabréis que hacer una imagen no es solamente hacer click, pero para crear una base sólida sobre qué es lo que conlleva crear una imagen, hoy voy a hablar largo y tendido sobre este tema. Para hacerlo más fácil lo he dividido en pasos que resumen cada una de las etapas y lo que suelo hacer yo en cada una de ellas. Como ejemplo, voy a usar a uno de mis clientes «Obrador la Panadería» para que os podáis poner en contexto con un caso real.

Paso 1- Preproducción o Dirección de Arte

Esta etapa es la de las preguntas y la de la comunicación constante con el cliente. Es donde se define el look de las imágenes que posteriormente fotografiaremos, por lo tanto, es una etapa fundamental del proceso creativo y que recomiendo realizar sin prisas.

¿Cuál es el color principal de nuestro sujeto protagonista?

Aquí vamos a extraer el color principal del sujeto para así pensar que otros colores aparte de éste podemos utilizar, bien para generar contraste, bien para complementar o para apoyar. Podemos preguntar al cliente que nos facilite una imagen del producto con el que vamos a trabajar.

¿Qué sensación queremos generar con nuestra imagen?

Es una pregunta muy importante porque está relacionada con la impresión que la imagen generará en el espectador. ¿Queremos que transmita alegría? ¿Melancolía?¿Un feeling hogareño quizás? ¿Un aire veraniego?

Si la empresa es grande, seguramente tendrán una imagen de marca consolidada, lo cual hará las cosas más fáciles. Otras veces, el cliente va a sacar un producto nuevo y quiere un look totalmente diferente o bien recién está comenzando y necesita definir su imagen de marca. Es trabajo nuestro el de aportar ideas mediante fotografías de referencia.

¿Qué tipo de luz vamos a usar?

Según las emociones que queramos que transmita nuestra imagen utilizaremos un tipo de luz u otro. En general el uso de la luz directa creará imágenes con colores más saturados y por tanto, tendrán un feeling más alegre, veraniego y vivo.

Las sombras en general también serán mas definidas y alargadas, creando un contraste natural. Por el contrario, el uso de luz difuminada dará lugar a imágenes con aire más ligero, sombras menos definidas y aparentes pero con mayor volumen. Aunque usando modificadores como distintos tipos de softbox conseguiremos también sombras muy contrastadas usando luz difuminada (por ejemplo, modificador de panal de abeja para crear imágenes moody y muy contrastadas). El tema de la luz da para otra entrada.

¿Vamos a crear una imagen minimalista o llena de elementos?

Aquí entra en juego el atrezzo que aparecerá acompañando a nuestro sujeto principal. ¿Vamos a crear una imagen más minimalista con menos elementos o por el contrario una con más elementos?. Es importante definirlo con el cliente y no dejar nada en el aire. (Tengo una entrada sobre Fotografía Minimalista que puedes visitar aquí)

¿Qué composición y ángulos vamos a usar?

Como sabéis hay muchas reglas de composición, según las que usemos generaremos movimiento y guiaremos al espectador a un punto en particular de la imagen ( generalmente donde está el sujeto de nuestra escena). Podremos crear imágenes más orgánicas, más fluidas, con más peso visual, etc.

El ángulo también es muy importante, y lo debemos tener en cuenta dependiendo de nuestro producto y en función de su altura, longitud, forma, etc. Por ejemplo, para bebidas un ángulo frontal entre 0-45º funciona muy bien y para una ensalada un plano cenital será más acertado… aunque según lo que vayamos buscando.

¿Tenemos todo el atrezzo que necesitamos en el estudio o necesitamos fabricar/crear o comprar algo específico para esta imagen?

Este es un punto importante, ya que va a influir mucho en nuestro presupuesto y en el tiempo de preproducción. Con los años, nuestro atrezzo va aumentando pero siempre hay props específicos que bien los clientes demandan o bien nosotros como fotógrafos creemos convenientes adquirir para una sesión en concreto. Dependiendo de cual sea el prop podemos encontrarlo fácilmente en cualquier tienda de decoración.

Aunque habrá casos en los que se necesite algo tan específico (en cuanto a color, tamaño y estilo) que nos cueste encontrarlo. En esos casos, si somos un poco artemaniacos lo podemos fabricar nosotros mismos. A veces, puede ser un fondo con un color y textura específico, a veces es una taza en un color que no puedes encontrar en ningún sitio y tienes que pintarla con spray  o una base/stand con una forma determinada y hay que encargarla al carpintero y pintarla.

¿Cómo hacemos entender al cliente lo que se está cociendo en nuestra mente?

Sí, ya sé que en nuestra mente todo tiene sentido, pero tened en cuenta que el cliente es el que paga y quiere ser partícipe y tener una idea lo más clara posible de las imágenes que vamos a crear para ellos. ¿Qué podemos hacer? Compartir con ellos los avances que vamos haciendo en cuanto al look final de las imágenes (lo que se llama dirección de arte o preproducción).

Esto conlleva, hacer un listado de la paleta de colores que vamos a usar, el atrezzo, los fondos y superficies, los ingredientes que van a aparecer, las recetas si las hay, los ángulos y el tipo de luz, si van a aparecer manos, si hay que incluir espacio negativo, flores, etc.

Y si también tienes dotes de dibujante, unos bocetos vienen muy bien para que el cliente se haga una idea más clara de lo que va a aparecer en cada una de las imágenes, y después una llamada o mail para resolver posibles dudas. Todo esto lo podemos plasmar en un moodboard que sea lo más detallado posible.

¿Ya tengo el visto bueno del cliente?

Una vez el cliente nos da dado el ok con nuestra propuesta ( en caso de que haya cosas que no terminan de convencer al cliente, tenemos que seguir trabajando aportando ideas diferentes para darle otro enfoque) es el momento de comprar aquellos materiales que hagan faltan o de hacerlos nosotros mismos. Tened en cuenta que esto nos va a llevar unos días, porque los hayáis pedido online y tenéis que esperar a que os lleguen, porque necesitéis ir de tiendas o bien porque los vayáis a hacer vosotros mismos y necesitéis tiempo para diseñarlos, pintarlos, esperar a que se sequen, cortarlos, etc. (lo que se conoce como Set Design).

En general, con mi experiencia, esta etapa de preproducción suele durar entre 1-2 semanas aproximadamente, pudiendo extenderse  más o menos en el tiempo. Es una etapa muy importante y que no debemos saltarnos. Cuanto mejor definamos la sesión en la preproducción, más seguros nos sentiremos cuando llegue el día de realizarla, ya que tendremos todo lo necesario y divagaremos menos. Esto nos causará menos frustración.

Paso 2- Envío de Productos

Cuando los productos no son perecederos, es una buena idea que el cliente realice el envío de éstos una vez aceptado el presupuesto y firmado el contrato. De esta forma, podemos estudiarlos más en profundidad ( aunque es crucial que el cliente te haya enviado previamente referencias ( imágenes de catálogo, de la web o redes) de los productos con los que vas a trabajar. En el caso de que sean perecederos, agenda el envío de los productos lo más cerca posible de la fecha de la sesión para que éstos luzcan frescos.

Paso 3-Compra de Ingredientes o Atrezzo

Una vez hecha la preproducción y ya sabiendo exactamente qué es lo que vamos a necesitar para la sesión, me pongo primeramente con la compra ( en el caso que sea necesario) de los props que NO tengo en el estudio. Para ello, suelo echar un vistazo online en diferentes tiendas de decoración y pedirlo para que llegue lo antes posible y poder fechar la sesión. En el caso de que tengáis a mano tiendas de decoración en vuestra ciudad, podéis ir personalmente y ver las distintas opciones que hay. Mucho mejor para poder ver las texturas, materiales y colores originales.

Fechar la sesión antes de que te lleguen los props que necesitas puede ser en ciertos casos arriesgado, porque cabe la posibilidad de que tengas que aplazarla o posponerla por no tenerlos en el estudio cuando llegue la fecha de la sesión.

La compra de los ingredientes siempre la suelo realizar el día anterior a la sesión, para que estén lo más frescos posibles. Repaso boceto por boceto, qué ingredientes aparecen en cada foto y me hago una lista de la compra, que siempre repaso, para que no se me olvide nada.

Paso 4- Realización de la Sesión Fotográfica y el Estilismo

¡Por fin llega el día! Muchos piensan que el trabajo para crear una imagen de producto comienza aquí, pero como acabáis de leer, esta fase podríamos decir que es el educador del todo el proceso creativo. La clave durante la sesión es intentar que sea lo más fluida posible, ser eficientes en los tiempos. Para ello, es mejor ser organizados y tener todo lo que se puede tener preparado con antelación listo, y dejar únicamente los detalles para hacerlos en el momento.

En la mañana de la sesión, siempre invierto un poco de tiempo terminando de montar el estudio, colocando los fondos y ajustando la luz. Colocando todo lo que voy a necesitar cerca ( los ingredientes, props, bocetos, resto de fondos, ropa, ordenador o tablet para hacer el tethering, etc). Siempre enumero los bocetos para tener un orden durante la sesión, suelo empezar por las imágenes cenitales y después las picadas o frontales. Voy montando la escena con el boceto de la imagen al lado para que no se me olvide ningún elemento.

Normalmente montar la escena de cada imagen me suele llevar entre 30 min y 1 hora, aunque los tiempos pueden variar según la complejidad de la imagen y si consigo ese look más rápido o necesito mover cosas porque no lo he conseguido de primeras. Recuerdo una sesión que tardé 1 hora y media para sacar la primera foto… La imagen resultante no tenía nada que ver con la planeada como os podéis imaginar… Por eso es muy importante la preproducción para que estas cosas no pasen.

Las sesiones siempre las hago en remoto, para hacer partícipe al cliente y darle la oportunidad de hacer pequeños cambios si fuese necesario. Les envío las imágenes por WhatsApp para que puedan verlas en ese mismo momento, darme el OK y seguir adelante con la sesión. Algo que valoran positivamente los clientes.

Paso 5- Edición

La edición es la historia interminable si somos muy tiquismiquis. Así que mejor saber bien dónde parar. Mis imágenes suelen pasar primeramente por Lightroom donde les doy una edición general y luego, algunas de ellas, también pasan por Photoshop donde suelo hacer ediciones más complejas. Según el tipo de imágenes necesitarán o no pasar por Photoshop. Para imágenes más comerciales, limpias y con fondos lisos, Photoshop es casi imprescindible. Para imágenes más hogareñas y naturales, con Lightroom es probablemente más que suficiente.

Un consejo con la edición es tener un ordenador con una pantalla bien calibrada, porque da mucho coraje editar una imagen y pasarla al móvil y que parezca otra diferente, que esté sobresaturada o subexpuesta….es doble trabajo, y eso no es lo que buscamos, queremos ser eficientes. Así que trabajar con una buena pantalla calibrada es lo ideal. Otra cosa de la que he oído hablar y que únicamente una vez me ha pasado es que me pidan las imágenes sin editar. No hagáis eso y por favor, decírselo al cliente, una imagen sin editar pierde su potencial, es mucho menos atractiva. La magia de la edición es necesaria para crear ese impacto visual 😉

Paso 6- Entrega y Feedback

Una vez editadas, envío las imágenes al cliente para que pueda revisarlas y decirme si cumplen con sus expectativas o si por el contrario hubiese que modificar cualquier cosa puntual. En mis contratos siempre recojo 1 revisión gratuita una vez entregadas las imágenes. Si después de esa primera revisión el cliente sigue queriendo modificar cosas, amablemente decidles que revisiones extras suponen nuevo presupuesto. Haciendo eso, seguramente dirán que están bien así o, si tienen presupuesto, no será un problema hacer ese segundo retoque por un extra 😉

Una vez el cliente tiene las imágenes finales, es una idea buena, preguntarles por su experiencia habiendo contratado vuestros servicios. Puedes enviarles un link que conduzca a tu perfil de empresa google, donde pueden dejarte una reseña. Tener reseñas positivas siempre genera confianza para futuros clientes. Otra opción es incluir esas reseñas en tu propia web.

Y hasta aquí la entrada de hoy.  El proceso creativo de una imagen de producto conlleva muchas cosas y seguramente me he dejado otras muchas sin comentar ya que cada proyecto es diferente y siempre hay otras formas de hacerlo. Al final cada fotógrafo tiene su propia metodología que va adquiriendo con el tiempo y a veces, a base de errores, pero creo que lo principal está aquí. Si tenéis cualquier duda ya sabéis que no tengo secretos y que estoy encantada de ayudaros en todo lo que sepa. Mil gracias por leerme y hasta la próxima entrada 🙂

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¿Dónde Compro mis Fondos de Fotografía?

Los fondos o superficies en fotografía forman gastronómica y de producto forman parte del material básico de estudio, se pueden encontrar en diferentes materiales, colores y texturas y apoyan la escena generando diferentes emociones o sentimientos. Como fotógrafa, cada cierto tiempo, me gusta ojear las páginas de mis tiendas favoritas de fondos para ampliar mi colección o bien para encontrar aquel fondo específico que necesito para un shooting.

Conseguir fondos para fotografía que cumplan las características que estás buscando es un trabajo que requiere de tiempo y son muchos los factores a tener en cuenta. Así que en este blog te comento qué cosas tengo en cuenta a la hora de comprar un fondo o superficie nueva así como algunas de mis tiendas favoritas.

¿Qué tener en cuenta a la hora de adquirir un nuevo fondo?

El tamaño del fondo

Para fotografía gastronómica,la mayoría de los fondos que tengo son de 60x90cm pero si es verdad que para escenas más amplias, sobre todo cuando aparecen varios productos en escena, estas dimensiones se quedan un poco cortas. Es por ello que también trabajo con algunos más grandes como 80x120cm. Estos vienen muy bien cuando queremos hacer un flatlay donde haya espacio negativo o una mesa estilo “feast” donde aparecen muchos platos y necesitas un fondo más grande.

El color

Este me genera auténticos quebraderos de cabeza. Ya que además de los colores, existen los tonos de color, por ejemplo, un fondo de color verde es verde, claro está, pero ¿cuántos tonos de verde existen? Una infinidad….así que dar con el tono que vas buscando lleva su tiempo. Luego está la magia de Lightroom y Photoshop que nos puede echar una mano, pero personalmente prefiero que se parezco lo más posible al tono que voy buscando para evitar horas de edición más tarde.

Que combine con otros fondos

que ya tenemos en el estudio para poder usar ambos en la misma escena. Por ejemplo, en el caso de fotografías con ángulo picado generalmente necesitarás el uso de un fondo y una superficie. Si ambos tienen colores y tonalidades parecidas o que generen contraste de una forma armónica entonces habrás conseguido el combo perfecto.

La textura

No es lo mismo un fondo liso que uno en el que aparezcan diferentes texturas. Las texturas generalmente aportan un toque orgánico y natural a la imagen. Los fondos lisos suelen utilizarse para crear imágenes más limpias y más alejadas de un estilo hogareño y moody.

Que sea de limpiado fácil

¿Quién invertiría en un fondo que a la primera de cambio se manchase y no hubiese forma de limpiarlo? Generalmente la mayoría son de fácil limpiado. Con un paso húmedo se quedan como nuevos pero hay ciertos ingredientes que pueden echar a perder nuestros fondos así que…¡¡Cuidado con el pimentón!! Y sobre todo, si son fondos de vinilo, no depositar elementos calientes sobre ellos porque se pueden deformar.

Que sea de fácil de almacenar

Los fondos de vinilo y canvas se pueden enrollar fácilmente y guardar en una esquina del estudio. Los que son de material macizo como la madera, pueden apilarse en vertical y no ocuparan mucho espacio.

Que sea de un material que dure con el tiempo

El objetivo es que, ya que hacemos una inversión, que dure el mayor tiempo posible, ¿verdad?. Lo barato sale caro, creedme. Evitad comprar fondos que no lleven película protectora, que se rayen con facilidad o que se estropeen cuando los limpiáis ¡Necesitan ser impermeables!

Tiendas de Fondos que recomiendo

      • Fondos para Fotógrafos . La mayoría de mis fondos de vinilo texturizados son de esta tienda regentada por Manuel y Sara, además son dos soles, super amables. Podéis encontrar en dos tamaños, 60x90cm y 80x120cm. La calidad de sus fondos es suprema, llevo con algunos de sus fondos 2 años y aún están como nuevos. ( Recientemente han anunciado que traspasan la tienda, así que ya no sé quien la regenta).

      • Club Backdrops . Esta es una tienda que también tiene fondos de vinilo y recientemente también de canvas. Lo que me gusta de ella es que tiene fondos que se alejan de lo corriente, desde fondos en colores lisos hasta texturas y patrones originales con los que darles un toque diferente a tus fotos. También son de muy buena calidad. Mayoritariamente todos mis fondos de color liso son de esta tienda. Te dejo el link por aquí para conseguir un fondo gratis con tus compra. 😉

      • Texturit. Ellos elaboran de forma artesanal fondos de madera de contrachapado que pueden realizar en ambas caras. Son fondos con una textura y acabado maravilloso. También los puedes encontrar en diferentes tamaños. Usando mi CÓDIGO “capturando_la_esencia10” en su web podéis conseguir un 10% de descuento.

      • Backdrop Woodville. Solían hacer fondos artesanales con un acabado brutal, de los cuales tengo 4 a doble cara en el estudio y que me enamoro cada vez que los miro. La verdad que era toda una inversión comprar estos fondos. Ahora han decidido centrar su producción en fondos vinílicos aunque siguen ofertando las texturas que solían hacer antes. Como dato informativo, si vais a comprar sus fondos, tened en cuenta que es un fabricante fuera de la UE y que tendréis que pagar tasas de ADUANA 😉
      • Propsyland: aunque mayoritariamente recurro a esta tienda para comprar props y figuras geométricas también suelo aprovechar la compra para adquirir algún fondo que otro. La impresión de sus fondos es super lisa y homogénea, lo cual es genial cuando estás buscando colores lisos. Aquí también tendréis que pagar tasas de ADUANA…yo pagué unos 18€ por 3 fondos.

    Otras Tiendas de Fondos

    Conozco otras tiendas de fondos de las cuales he escuchado hablar muy bien por compañeros fotógrafos, pero que, hasta el momento, no he tenido ocasión de probar sus fondos.

        • JipyFondos. Esta tienda de fondos es la reina de los Canvas. Tienen una colección muy bonita en varios tamaños con acabados muy buenos también. Podéis encontrarlos en su web o bien en Etsy. Además, su dueño, David Jilkyns, también genera contenido didáctico para fotógrafos gastronómicos en su canal de YouTube, que os dejo por aquí.

        • EveryDay Co Backdrops. Esta tienda la recomiendo sobre todo para fotógrafos de producto que estén buscando fondos coloridos con diferentes texturas, como baldosas en diferentes colores o bien lisos.

        • Capture by Lucy Backdrops. Aquí encontrarás una enorme colección clasificada en diferentes colores, desde fondos con texturas más tímidas a fondos con mucha más personalidad. He leído muy buenos comentarios de esta tienda y sus fondos parecen realmente buenos. Como dato curioso, algunos de sus fondos son fotografías de madera, piedra y otras superficies que Lucy realiza durante sus viajes por el mundo.

      fotografía fondos y superficies en estudio

      Otras Tiendas de Fondos que he encontrado y que quizá puedan parecerte interesantes

          • Errer Backdrops

          • Indigo Photos

          • Woodrow Studios

          • YDBackdrops

          • Poppy Bee Surfaces

          • My Lucie Backdrops

          • Pepperazzi Backdrops

        Aparte de comprar fondos en estas tiendas, también he probado a realizar mis propios fondos en alguna ocasión, usando contrachapado o bien tela en crudo de canvas. Los resultados han sido disparejos, con casos de éxito y casos de fracaso absoluto jajaja. Así que si sois unos manitas y queréis hacer vuestros propios fondos, sabed que hay esa opción; sin embargo, sino queréis poneros de pintura hasta las cejas estoy segura que encontráis buenas opciones en las tiendas que os he compartido en el post.

        Espero que os haya parecido interesante y sobre todo útil este post. ¡Nos vemos en el próximo!

        Otros posts relacionados: Garnish o Decoración en Fotografía Gastronómica

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        El poder del Minimalismo en Fotografía

        El minimalismo es un estilo que se usa en fotografía y que tiende al uso mínimo de elementos. Es un estilo al cual recurro con frecuencia en mi fotografía y que vamos a desarrollar un poquito en esta nueva entrada que he creado junto a Ronal Cova de @ishealthyphoto. Hablaremos sobre cómo crear fotografías minimalistas y en qué elementos apoyarnos para lograr este estilo.

        Según Wikipedia “En su ámbito más general, es la tendencia a reducir a lo esencial, a despojar de elementos sobrantes.”

        Otra definición de Minimalismo sería la siguiente «El minimalismo es una corriente artística que sólo utiliza elementos mínimos y básicos. Por extensión, en el lenguaje cotidiano, se asocia el minimalismo a todo aquello que ha sido reducido a lo esencial y que no presenta ningún elemento sobrante o accesorio.»

        ¿Cómo crear fotografías Minimalistas?

        Existen muchos factores que podemos tomar en cuenta a la hora de crear fotografías minimalistas de gran impacto visual. Asimismo, también es importante conocer este término y su significado para así aplicarlo a la fotografía gastronómica.

        El minimalismo en la fotografía gastronómica nos permite enfocar toda la atención del espectador en los alimentos, evitando cualquier distracción que pudiera generar el uso excesivo de atrezo dentro de una escena. Finalmente, nuestro objetivo como fotógrafos gastronómicos es capturar la belleza de un plato, bebida o ingrediente; creando imágenes minimalistas nos retamos a observar con detenimiento y fotografiar la esencia.

        La observación es clave, entender qué queremos contar y mostrar, aunque la cantidad de atrezo que forme parte de la composición sea reducida. Podemos crear una narrativa alrededor de nuestro elemento principal y generar una sensación.

        Minimalismo no significa fotografías monótonas y carentes de atractivo visual, por el contrario, la simplicidad de los elementos en juego nos permite estar presentes y poner toda nuestra atención sobre el elemento que hemos escogido a fotografiar.

        Fotografía de @ishealthyphoto

        Elementos en los que apoyarse

        Al reducir al mínimo los elementos que forman parte del frame, las decisiones que tomamos se vuelven de mayor importancia y cada una de ellas debe estar pensada en busca de transmitir el mensaje que queremos.

        Un ejemplo de esto podría ser el uso de líneas, colores de fondos y superficies, iluminación, posición de nuestro punto de interés y estilismo culinario. Todos estos factores pueden crear un cambio muy significativo en el resultado de nuestra fotografía, como podréis imaginar una copa de vino fotografiada en una pieza de mármol pulido no evoca las mismas sensaciones que la misma copa de vino fotografiada sobre una madera envejecida con una iluminación en clave baja.

        El minimalismo en la fotografía gastronómica te hace consciente de que cada decisión por pequeña que pueda parecer tiene un impacto en el resultado final de nuestros proyectos.

        Fotografía de @ishealthyphoto

        Tipos de Luz

        En mi opinión, no hay un tipo de iluminación particular en lo que se refiere a fotografía gastronómica minimalista. Porque la esencia de esta rama de la fotografía se centra en la cantidad de elementos y el peso visual que éstos tienen dentro de una imagen.

        La elección de la luz sí que juega un papel fundamental en cuanto a la emocionalidad que queremos transmitir con las imágenes e incluso en cómo ésta puede potenciar la belleza del sujeto que estamos fotografiando.

        Fotografía de @ishealthyphoto

        Paleta de Colores

        Les recomiendo un libro que considero podría serle de mucha ayuda para desarrollar una gestión del color que alinee con el propósito de las imágenes que estamos construyendo. Nuestro cerebro tiene asociadas una serie de emociones a los colores y sus distintas combinaciones, si aprendemos como gestionar el color podremos ser más efectivos en nuestra forma de comunicar.

        Las fotografías monocromáticas las asocio con obras que trasmiten calma, equilibrio, estabilidad; sin embargo, colores opuestos y con alto contraste añaden dinamismo y fuerza.

        El libro del que les hablo se llama “La Paleta Perfecta” de Lauren Wager.

        Fotografía de @ishealthyphoto

        Espacio Negativo

        Si hacemos una búsqueda rápida sobre fotografía minimalista encontramos que predomina en un alto porcentaje de las imágenes la presencia del espacio negativo. La proporción que ocupa el sujeto en comparación con el entorno transforma nuestra percepción sobre las fotografías que observamos.

        Fotografía de @ishealthyphoto

        Materiales

        Los materiales presentes en la fotografía van a jugar un papel fundamental en la emoción que transmita la imagen. Aquí lo importante es que éstos no desvíen la atención, sino que vayan en sintonía y que no destaquen más que nuestro sujeto principal.

        Por ejemplo, no transmite lo mismo un fondo liso con un color sólido y vivo, que uno con textura y colores más neutros.

        Por eso es importante observar y estudiar con detenimiento qué nos transmiten los diferentes elementos/materiales que vamos a incluir en la escena para poder realizar una selección más consciente.

        Composición

        La composición deberá regirse por la regla de la sencillez. Incluir lo imprescindible y desechar aquellos elementos innecesarios. Tener en cuenta que necesitamos seguir contando una historia pero de la forma más sencilla posible. Podemos realizar la práctica de poner/quitar elementos en la escena y ver qué tal se siente el peso de éstos.

        Una característica de la fotografía minimalista es la utilización de imágenes basadas en formas geométricas, como triángulos, rectángulos, círculos, etc. que además generarán un extra de movimiento en la imagen y, por tanto, mayor impacto visual.

        Líneas

        La presencia de líneas en una o varias direcciones genera dinamismo en la imagen. El movimiento en fotografía gastronómica es un recurso muy utilizado, aporta volumen y energía, y ayuda a guiar la mirada del espectador.

        Al usar menos elementos en este tipo de fotografía, la incorporación de líneas es un recurso muy utilizado.

            • Las líneas horizontales hacen leer la imagen de lado a lado, generan una sensación más agradable, tranquila y de estabilidad.

            • Las verticales dan una sensación más cortante y de fuerza, incluso pueden actuar como barreras para delimitar ciertas zonas en la imagen.

            • Y las líneas diagonales, por su parte, dan mucho movimiento y dinamismo

          Podemos generar líneas aprovechando los bordes de una mesa, usando cartulinas de diferentes colores, disponiendo parte de un mantel sobre un fondo con otra textura, colocando los ingredientes en diferentes direcciones, etc.

          Formas, Patrones y Texturas

          Las fotografías minimalistas se caracterizan por transmitir mucho con pocos elementos, por eso hay que saber escoger aquellos con personalidad propia o apoyarse en el estilismo o las reglas de composición.

          El uso de formas circulares, rectangulares y triangulares dota a la imagen de diversidad visual, haciendo que la fotografía sea divertida y atractiva; así mismo la repetición de elementos creando patrones nos habla sobre la importancia de esos elementos en el frame.

          La textura hace referencia al sentido del tacto y aporta relieve, sensación de realidad y dimensionalidad. Nos habla sobre la suavidad, la aspereza o incluso la jugosidad y la frescura.

          Sentimientos o Emociones

          Si bien es verdad que las fotografías minimalistas tienen en común el uso de pocos elementos, todas ellas transmiten emociones o sentimientos diferentes. Y esto va a depender mucho de todos los elementos que hemos descrito anteriormente: la composición, el color, la luz, la paleta de colores, el atrezo, etc.

          Podemos crear imágenes claras, oscuras, con colores vivos, con colores neutros, monocromáticos, etc. Las opciones son prácticamente infinitas, pero siempre debemos conseguir ese perseguido sentimiento o emoción que hará cautivar al espectador.

          Al final, la carga emocional de nuestras fotografías será el gancho con el cual conectaremos con la historia, e inmediatamente con nuestra propia experiencia.

          Y hasta aquí la entrada de hoy, esperamos de corazón que hayáis entendido el concepto de minimalismo y que os hayamos dado las herramientas para crear vuestras propias fotografías minimalistas.

          Un abrazo y hasta la próxima entrada.

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          ¿Cómo estilizar tus platos con el mejor Garnish?

          Como en otras disciplinas, en Fotografía Gastronómica, mimamos mucho los detalles. Pequeños toquecitos que hacen que la imagen se sienta completa. La decoración ( garnish en inglés) de un plato aporta un extra de belleza, ayuda a contar mejor la historia de esa fotografía, se usa como enlace entre diferentes elementos de la escena y genera un mayor impacto visual.

          Creedme que esas miguitas de pan, semillas o azúcar no cayeron ahí por casualidad, en el ejercicio de estilismo de la escena, cada detalle está pensado para generar en el espectador un efecto «wow».Además, no basta con añadir cualquier cosa, se trata de acompañar a nuestro sujeto de elementos que vayan en sintonía, que acompañen a la paleta de color y que obviamente, sepan bien. Otro factor a tener en cuenta es aplicar las reglas de composición cuando estamos posicionando esos elementos decorativos.

          A veces este Garnish se puede hacer antes de cocinar. Por ejemplo, imagínate que estamos haciendo una pizza. Podemos colocar los ingredientes de una forma armónica sobre la base, incluso podemos añadir algunas semillas a los bordes de la pizza para aportar más textura. Una vez cocinada podemos decorar con algunas hierbas frescas como rúcula y un chorreón de aceite. Como ves, todo tiene su momento, añadir la rúcula al principio no hubiera sido inteligente, el color resultante no sería nada atractivo. Y por otro lado, añadir el aceite nos generarán más reflejos, que nos hará el plato más apetecible y fresco.

          Veamos otro ejemplo. En este caso nos vamos a imaginar una crema de calabaza con su precioso color naranja. Si la servimos tal cual va a tener una apariencia aceptable pero no nos va a sorprender. Ahora pensad que ingredientes podríamos usar para mejorar la presentación de la crema de calabaza. A mí se me ocurre que podríamos añadir un poquito de nata líquida, leche de coco, unas semillas de calabaza tostadas, unas semillas de sésamo, un chorreón de aceite, unos brotes frescos, unas hojitas de hierbas aromáticas, unas rodajitas de pan, cebolla caramelizada, frutos secos, etc. Como ves, las opciones son casi infinitas y conseguiremos un mejor impacto visual.

          Como ves, el haber añadido el garnish hace de esta crema de calabaza un plato mucho más apetecible y que entra por la vista.

          ¿Qué tener en cuenta a la hora de elegir y usar nuestros ingredientes para la decoración/garnish del plato?

          • Buscar ingredientes que aporten un toque interesante, ya sea en textura, forma o color.
          • Elegir los más frescos y bonitos
          • Siempre elegir aquellos de menor tamaño, en fotografía siempre generan más armonía los elementos pequeños. Los de tamaño más grande suelen ser más tediosos a la hora de hacer la composición.
          • Si quieres tapar cualquier imperfección, el garnish es una muy buena opción y parecerá muy natural.
          • Colocarlos de la forma más orgánica posible, ya sea en líneas curvas, en montoncitos, al lado de un plato ( como si se hubieran caído de forma natural), etc.

          Garnish según el tipo de receta

          Recetas Dulces

          • Miel y sirope. Perfectas para hacer el plato más apetecible y aportar un poquito de humedad al plato. También nos ayudan a generar reflejos muy usados cuando queremos hacer un «action shot». El resultado siempre es muy atractivo.
          • Chocolate derretido. Funciona de una forma muy similar a la miel/sirope. Es utilizado para decoración de pasteles, creando gotitas que descienden de una forma muy bonita.
          • Azúcar Glasé. Quizá de los recursos más usados, ya sea para tapar alguna imperfección o para captar ese momento en el que cae sobre la elaboración.
          • Frosting. Con él podemos crear texturas muy interesantes y que funcionan muy bien en fotografía. ¿Has visto alguna vez una «close up» de un frosting de chocolate? Me diréis que no es la cosa más romántica del mundo… ( visualmente hablando jaja)
          • Crema montada/yogurt. Todos los ingredientes que sean naturalmente cremosos van a ser muy recurridos en fotografía gastronómica. Y que sobre ellos podemos colocar otros elementos con la seguridad de que no se van a caer.
          • Caramelo
          • Copos de sal. Seguro los habéis visto decorando galletas de chocolate. Además de que generan un contraste dulce-salado estupendo, aportan extra de textura y contraste, por tanto ayudan mucho estéticamente.
          • Fruta deshidratada como orejones, plátano, naranjas, coco, etc
          • Semillas como pipas, sésamo, semillas de amapola, etc
          • Frutos secos como almendras, nueces, nueces pecanas, avellanas, etc
          • Especias como la canela, el anís estrellado, etc

          Recetas Saladas

          • Hierbas aromáticas como hojas de perejil, cilantro, romero, albahaca, tomillo, etc
          • Un chorreón de aceite, nata, leche de coco
          • Flores comestibles, como pensamientos, flor del ajo, etc
          • Hojas frescas de espinacas, kale, etc
          • Queso rallado
          • Rodajas de limón y lima
          • Láminas de zanahoria, calabacín o espárragos
          • Hojas diferentes variedades de lechuga
          • Cebolla crujiente
          • Especias como comino, pimentón, pimienta, etc
          • Frutos secos picaditos
          • Vinagre balsámico

          Bebidas

          • Aceitunas
          • Romero y otras hierbas aromáticas como tomillo.
          • Rodajas de cítricos o la misma piel de éstos
          • Láminas de pepino, calabacín, zanahoria, etc
          • Azúcar, para decorar el borde de la copa o vaso
          • Hielos de diferentes formas y tamaños
          • Flores comestibles

          Como veis las posibilidades son muy amplias, incluso os invito a fotografiar el mismo sujeto utilizando diferente Garnish. Es un ejercicio del que se aprende mucho.

          ¡Gracias por leerme y hasta la próxima entrada!

          Cintia